Auteursoog in fotografie

Een opname van achter de rug van de hoofdpersoon, die vaak in films wordt gebruikt, wekt de indruk dat we de scène door zijn ogen zien, en daardoor identificeren we ons onwillekeurig met hem. In het algemeen is de identificatie van de kijker met iemand de auteur of de held of iets in een kunstwerk een transversaal thema in alle kunst en een belangrijk criterium voor het omgaan met kunst.

Ik moet toegeven, het was een willekeurige opname, zonder veel verwachtingen, maar het bleek de beste opname van de dag te zijn. We kunnen ons herinneren dat diezelfde Cartier-Bresson volgens getuigen niet zo weinig schoot en dat het aandeel afdrukken dat hij maakte, volgens vele recensies, vrij standaard was, nl. e., Als hij voor onze uitgeverij had gewerkt, had hij naar een boekhouder moeten luisteren die mopperde: er werden 2 films gekocht, maar we kregen slechts 3 opnames, wat een duidelijke verspilling was. Praktische conclusie: schiet bij de minste aanleiding.

De opname “werkt” dankzij de compositorische oplossing: er is een schuin kruispatroon de lijn van tafels/stoelen en de blik van de held die deze lijn kruist, wat we speculeren , en het is trouwens een van die gevallen waarin een bijgesneden sensor een beter resultaat zou hebben opgeleverd dan een volformaat sensor, zoals hier onscherpe details in het bovenste kader zouden beter zijn vermeden .

Canon EOS 5D, 24-105/4L op 75mm, ISO 100, 1/15 sec, f/7.1, belichtingscompensatie -1/3, diafragmavoorkeuze.

De belangrijkste vraag in de fotografie: waarom hebben mensen het überhaupt nodig?.

“Mijn portretten zeggen meer over mij dan over de mensen die ik fotografeer.

Richard Avedon

Waarom?.. Als je schiet voor de kost – dat is een ander verhaal. Fotograaf Vladimir Arkhipov vertelde meer dan eens dat een serieuze amateurfotograaf in zijn ogen hoger scoort dan een professional, omdat de weg van hem naar de meester korter en rechter is, en een professional schiet worsten.

Wat waar is, is waar: iedereen die voor geld fotografeert zal bevestigen dat een belangrijk deel van betaalde fotografie is wanneer ze je meenemen naar een onooglijke plek en zeggen: “Maak hier een mooie foto van, die hebben we nodig voor een catalogus”. Dan komt het aan op techniek en techniek.

En natuurlijk is het altijd een genot als de vaardigheid op peil is en het kader werkt ik word nooit moe me af te vragen welk kinderlijk enthousiasme een echte fotograaf, hoewel al grijzend, voelt voor het zeer technische proces van hoe het beeld verschijnt , maar dat verandert de zaak niet: je kunt ook worstjes schieten met plezier.

Het is heel wat anders wanneer iemand foto’s maakt uit een innerlijke behoefte – “omdat ik het leuk vind”. Het verlangen naar zelfexpressie zit in de diepste lagen van de psyche en manifesteert zich op allerlei manieren: wie schiet, wie componeert, wie knutselt, en als daar niets van is – schrijft op het hek..

Elk werk dat verband houdt met kunst is vooral waardevol omdat het een spiegel is waarin iemand, als hij of zij dat wil en probeert, zichzelf objectief kan zien zoals Viktor Ivanovski zegt: als je sentimenteel bent, zijn je foto’s sentimenteel; als je dwaas bent, zijn je foto’s ook dwaas . En er is helemaal geen andere spiegel. Dat wil zeggen, zonder kunst word je door anderen veel beter gezien dan jezelf, maar met kunst krijg je een kostbare kans om jezelf te zien, te begrijpen en te verbeteren.

Alleen in deze context is het de moeite waard de woorden van Sekou Asahara in herinnering te brengen, die werd geëxecuteerd voor de ondergrondse gasaanval in Tokio: hij beweerde dat de ergste straf kunstenaars en artiesten in het hiernamaals wacht omdat zij mensen valse buitenaardse reacties op hun omgeving aanleren. Na mooie voorbeelden te hebben gezien, herhaalt een man iemands woorden en grimassen, in plaats van na te denken over wat hij persoonlijk allemaal belangrijk vindt, dat is in feite wie hij in wezen is.

De vraag is altijd moeilijk en soms zelfs pijnlijk, en eenvoudige antwoorden als “Ik ben Argentijn” of Papoea , “Ik ben een voetbalfan” of “Ik ben een rocker” zullen een veeleisende persoon niet lang tevreden stellen. Vervreemde, instinctieve keuzes zijn gevaarlijker: ze zijn niet zo gemakkelijk en kunnen zich voorgoed in een persoon vastzetten. In feite kennen we ze heel goed: het zijn fotografische postzegels.

“Een camera kan een foto maken van een gedachte”.

Dirk Bogarde

Een van de beste subjectief, natuurlijk en zeker meest interessante manieren om met al deze vragen om te gaan is fotografie. In elk stadium van de creatie onderwerp, compositie, verkorting, enz. moet je je eigen beeld ontwikkelen. fotografie is altijd een keuze, een zoektocht naar de meest interessante oplossing uit een aantal mogelijke oplossingen.

Het lijkt erop dat we in elk geval beperkt zijn tot een paar opties, maar een muzikant heeft slechts 7 noten tot zijn beschikking – en niemand klaagt dat hij nergens terecht kan. En elke gastvrouw kookt soep van dezelfde set aardappelen, vlees en zout en het is altijd anders. Het is in de oppervlakkige eigenaardigheden van de keuze in elke fotografische fase dat de materiële basis ligt van het begin van de auteur, de grondstof waaruit het is opgebouwd.

U kunt de foto nemen vanuit staande positie of achteroverleunend of zittend. U kunt de hoek van het gebouw in het kader opnemen, of u kunt een lege ruimte rond de randen laten. Je kunt de belichtingscompensatie op min twee zetten, of je kunt hem op nul laten staan… Er is dus een keuze… Aangezien fotografie, in haar eigenlijke variant, vooral een non-verbale kunst is wat betekent dat geen enkel beeld kan worden vervangen door zelfs de meest gedetailleerde verbale beschrijving, er blijft altijd iets onuitsprekelijks, onuitsprekelijks in woorden , wordt de keuze telkens intuïtief gemaakt.

Natuurlijk zal elke fotograaf na de opname gemakkelijk uitleggen waarom hij of zij was gaan zitten of het kader had verduisterd, maar het betekent niet veel: wees er zeker van dat als twee welbespraakte fotografen hetzelfde onderwerp anders fotograferen, zij beiden hun keuze op dezelfde manier zullen rechtvaardigen. Rechtvaardiging komt later, als je al een intuïtieve beslissing hebt genomen… Dit is wat je in de eerste plaats moet ontwikkelen, en het zal op zijn beurt jou ontwikkelen.

“Er zijn geen regels voor goede fotografie. Er zijn gewoon goede foto’s’.

Ansel Adams

Het zijn de afwijkingen van de meest voor de hand liggende, banale keuzes – in onderwerp, compositie, of wat dan ook – die door de kijker onmiddellijk als de meest waardevolle worden geregistreerd, zo intuïtief als ze in het hoofd of onmiddellijk in de handen van de fotograaf opkomen.

Zij creëren “points of interest”, en de som daarvan is stijl. De originaliteit van de auteur, die aan alles ten grondslag ligt, kan conventioneel worden gedefinieerd als de houding van de auteur ten opzichte van zijn stijl, wanneer hij de stijl wordt gezien als een werktuig.

Tegelijkertijd laat de subcortex zich niet misleiden: allerlei gekunstelde, in plaats van intuïtieve, constructies worden door de kijker onmiddellijk herkend als vals en dus oninteressant. Een fotograaf moet zijn kader zien een ogenblik voordat hij een foto neemt natuurlijk ziet hij soms het kader, maar in werkelijkheid valt er iets niet samen of zit er iets in de weg – bijvoorbeeld een verkeerde achtergrond of extra mensen, en hij moet oppassen dat hij niet morst, en in zijn hoofd houden wat hij ziet en in vuur en vlam om zijn idee werkelijkheid te laten worden . Je moet op zo’n manier kijken dat de emoties en al het andere erin opleven, en dan is er een kans om de lading te schieten die de kijker ook zal “opleven”.

“Ik vraag me nooit af wat ik ga doen. Dat zeggen ze zelf. Foto’s creëren zichzelf met mijn hulp”.

Ruth Bernhard

De kijker is zeker een goede zaak, maar het is niet onvermijdelijk en niet altijd. Als het de taak is om zin te geven aan zichzelf en het is de oorsprong van de auteur , dan kan de auteur een behoorlijk zelfredzame kijker zijn: denk aan Gauguin, Van Gogh of de onlangs ontdekte kinderjuffrouw uit Chicago, die haar hele leven lang stille films voor zichzelf heeft gemaakt, en die al bijna met Bresson is vergeleken hoewel, als je bedenkt dat de vergelijking met antiquairs is die haar collectie moeten verkopen, dan is er geen sprake van .

Hoe dan ook, in het beginstadium van de fotografische ontwikkeling, wanneer het niet zo gemakkelijk is om aan iemand buiten maar zelfs in jezelf uit te leggen wat er in je foto gebeurt en wat je wilt, heb je geen publiek nodig

In dit stadium heeft een beginnend fotograaf een encyclopedische taak, als je die serieus leert: probeer zoveel mogelijk verschillende oplossingen voor een bepaald opnameprobleem uit, ook niet al te afgezaagde zegels, en bekijk dan zorgvuldig, de woorden van Asahara indachtig, de resultaten en probeer voor jezelf te beslissen: wat is van mij, wat niet in werkelijkheid is dit veel interessanter en aangenamer dan je zonder oefening zou denken . Het is een belangrijke fase: elke ontvangst is een steen in de muur van de tempel van de persoonlijke stijl. Als je eenmaal wat ervaring hebt met fotografie en wat automatisme dan is een begrijpende kijker waardevol.

“Ik heb nog geen enkel beeld geschoten zoals ik van plan was. Ze worden altijd beter of slechter”.

Diane Arbus

Een van de gevaarlijkste en schadelijkste verleidingen in de fotografie-opleiding, vooral in het begin, is het streven naar snelle perfectie een soortgelijke valkuil bestaat in de christelijke praktijk, wanneer een nieuwe bekeerling probeert zo snel mogelijk een heilige te worden . Waar komt deze perfectie vandaan in de eerste fase?

De makkelijkste en snelste manier is aan de zijkant. Maar de perfectie van iemand anders, als je die probeert te kopiëren en voor te stellen als je eigen perfectie, doodt juist de impulsen waaruit op een dag, met enige succesvolle ontwikkeling… In die zin kan het verhaal van Ivan de Tsarevitsj, die de kikkerhuid van zijn vrouw voortijdig verbrandde, ook worden gelezen als gecodeerd advies voor de jonge fotograaf.

Draag de huid zo lang als je wilt, ook al is het geen Calvin Klein of draag hem voor je muze , je zult je daarna beter voelen. Imitatie is niet alleen niet levensvatbaar, het doodt de belangrijkste kern, die gevoed en bewaterd moet worden – de persoonlijke oorsprong van de auteur. En als je het een beetje laat rijpen, zal het zijn zoals in de grap: “Als ik groot ben, zal ik zoveel van deze hebben als je wilt. Het is dus zeer aan te bevelen dat een fotograaf, vooral een beginner, hooliganisme en experimenteren – het is uit gemakkelijke, bewuste en opzettelijke imperfectie, uit afwijkingen van regels dat een persoonlijke stijl ontstaat, en als men een gezonde egoïst is, is er geen belangrijkere taak dan die.

“Als een oude vaas prachtig gebeeldhouwd en mooi beschilderd is, zal hij alleen daarom al mooi zijn. Maar ik denk niet dat hetzelfde geldt voor fotografie. Als het niet een beetje vreemd is, een beetje onvolledig, zal het lijken op een kopie van iets moois. We zijn er waarschijnlijk niet in geïnteresseerd.”.

John Loengard

Natuurlijk is het fotografische medium bijzonder. Een kunstenaar die ik ken was eens verbaasd: “Wat moet het moeilijk zijn voor jullie fotografen om een onderwerp te vinden zodat alles samenvalt en jullie tijd hebben om te fotograferen. Bij ons, bij kunstenaars, is het veel gemakkelijker: je leert, ontwikkelt je stijl en schildert dan naar eigen inzicht.

Daar is een reden voor: een fotograaf is echt meer afhankelijk van zijn omgeving. Daarom wordt een assortiment van allerlei technieken opgepakt waar mogelijk. Er zijn allerlei trucs tijdens een belichting bedrading bijvoorbeeld , en zelfgemaakte optiek, en Photoshop. Alle hulpmiddelen zijn goed, zolang er maar resultaten zijn. Het argument dat een “schone” foto dat wil zeggen zonder “Photoshop” altijd superieur en beter is, lijkt eindelijk te zijn afgezwakt.

Ze hebben iets sportiefs. Het is alsof je zegt dat als een ninja zijn vijanden doodt met vijf verschillende wapens, en de andere hen doodt met zijn enige trouwe katana, de tweede belangrijker is. Dat kan, maar dat hoeft niet – het is veel belangrijker hoeveel vijanden en wat voor vijanden de een en de ander heeft gedood. Hoewel, natuurlijk, als je een fanatiek katana liefhebber bent, wordt deze aanpak begrijpelijker…

“Fotografie wordt niet genomen, het wordt gemaakt.”.

Ansel Adams

Nu we het toch over Photoshop hebben, is het goed om even stil te staan bij een voor fotografen ietwat onaangenaam feit: Cartier-Bresson gaf op het einde van zijn leven de fotografie op en ging schilderen. “Hier! – een andere artiest die ik ken schreeuwde het uit toen hij het hoorde. – Jullie fotografen zijn fetisjisten! Een ware kunstenaar weet dat al deze dingen: de camera en het schilderij slechts werktuigen in zijn handen zijn..!”Dus misschien zal Photoshop zich ooit bij de rangen voegen.

Maar terug naar de kijker. Het onderwerp van de kijker en, meer in het algemeen, de waardering van uw werk komt al gauw neer op een kwestie van culturele omgeving en context. Er is een sterke band met het werk van de auteur. De kunstenaar leeft niet in een luchtledige ruimte, en de voeding van de maatschappij is voor hem zeer belangrijk. Natuurlijk is de samenleving op het eerste gezicht groot, en in het gewone leven wordt niemand belet om slechts met een kleine kring van een selecte groep te communiceren.

Maar als het gaat om de culturele matrix, is het wat ingewikkelder. De facto hebben we de westerse fotografie aangenomen als onze standaard van uitmuntendheid… Het is niet verwonderlijk, want ze is echt ver gegaan, en daar is niets mis mee. Soms moet men gewoon voorbeelden kiezen en duidelijk onderscheid maken tussen twee kanten: het technische niveau van de uitvoering en de betekenis van elke specifieke opname in de culturele context die er aanleiding toe gaf.

Het is onmogelijk om niet op te merken dat de vooruitgang in het eerste, technische deel, bij het overnemen van de westerse ervaring, de verwezenlijkingen in het tweede deel sterk heeft ingehaald. En dat is onvermijdelijk: voor een fotograaf die in een ander milieu is opgegroeid, is het uiterst moeilijk om de intuïtieve betekenissen te vatten die in Europese foto’s zijn gecodeerd, net zoals onze kunstenaar de problemen die de Europeanen storen fysiek niet voldoende ter harte kan nemen om er met een Europese toeschouwer in een intuïtieve taal over te spreken, hoe ijverig hij ook de luidste Europese meesterwerken imiteert.

“Er zijn er altijd twee in elke foto: de fotograaf en de kijker”.

Ansel Adams

Je hoeft niet ver te gaan om voorbeelden te vinden. Elke beginnende fotograaf is, als hij hard genoeg zijn best doet, in staat om de professionele technieken van de hedendaagse westerse modefotografie bijvoorbeeld onder de knie te krijgen. Maar weinig mensen begrijpen echt moderne westerse kunstfotografie, in plaats van toegepaste, zoals mode en reclame.

Het zijn niet alleen de experimenten van iemand anders, zelfs het werk van Andreas Gursky, wiens status als maestro wordt bevestigd door miljoenen verkopen, is een reden tot lichte bezorgdheid dat we voor de gek worden gehouden? Wat is deze Warhol van onze tijd? En alleen de vele nullen in de veilingverslagen zijn enigszins geruststellend… Ze laten zich niet voor de gek houden voor dat geld.

Waar gaan we naartoe?? Gursky is slechts een voorbeeld om duidelijk te zijn. Het punt is dat we technische trucs veel sneller leren en zelfs opmerken dan de semantische. Deze situatie is niet ideaal, maar wel wijdverbreid… En de conclusie is de meest banale: je moet leren! Niet alleen het ‘hoe’, maar het ‘wat’, het ‘wat’ en het ‘waarom’. Over het begin van de auteur gesproken, je moet proberen ervoor te zorgen dat je hoofd niet ver achter je handen valt. En het gebeurt, oh het gebeurt!

“Ik ben niet geïnteresseerd in fotografie op zich. Ik wil alleen een klein beetje van de werkelijkheid opvangen”.

Henri Cartier-Bresson

Goed geschoten!

Studiofoto’s hoewel er hier vanuit de studio slechts een paar softboxlampen in een gewone kamer staan moeten zoveel mogelijk worden gevuld met een allegorische inhoud, omdat de letterlijke betekenis ervan dreigt te worden gebagatelliseerd. Het masker – het levende en het levenloze, het naakte meisje en de maskerade tegelijkertijd, de moeder en het kind – verschillende “eeuwige” vragen zijn hier in gepropt, en fotografen zullen er tot het einde van de eeuw antwoorden op geven. Net als in de filmtijd blijft plaatselijke verduistering of oplichting als ze bij het drukken werden gemaakt een krachtig expressiemiddel. Hier is de hele rechterrand van het kader verduisterd en zijn de gezichten van het meisje en de pop gemarkeerd.

Canon EOS 5D, 70-200/4L op 105 mm, ISO 200, 1/125 stops, f/11, handmatige modus.

Een van de onderwerpen die we elke dag tientallen keren zien, we hebben het deze keer net uit de visuele stroom weten te halen. Het kader valt uiteen in verschillende dubbelzinnig verbonden delen, en hun onderlinge samenhang vormt het voornaamste belang ervan, hoewel het duidelijke verband tussen de scharlakenrode luifel bovenaan en de weerspiegeling ervan in de ronde spiegel zeker overheerst. Het kader moest enigszins worden aangepast in “Photoshop”: de rand van het schuine gordijn werd benadrukt en de verblindend witte details links van de luifel werden donkerder gemaakt, zodat ze niet het helderste deel van het kader vormden. Op de vlucht genomen in een winkelstraat in Kemer, Turkije.

Canon EOS 5D, 24-105/4L op 47 mm, ISO 200, 1/200 c, f/9, belichtingscompensatie -1/3, diafragmavoorkeuze.

Het produceren van een auteurstalent in studiofotografie vereist vooral verbeelding, een vlotte stijl, afwezigheid van luiheid en soms roekeloos hooliganisme. Expressieve details zijn uiterst belangrijk – zoals hier, valse wimpers en een geïmproviseerde tiara. Monochroom snijdt de overbodige kleurinformatie weg en creëert een monolithisch beeld.

Foto door Yegor Narizhnyy.

Canon EOS 5D Mark II, 70-200/2.8L op 95 mm, ISO 100, 1/200 c, f/9, handmatige modus, studiolicht.

Het gebeurt vaak dat je een foto neemt van een ruimte die je mooi vindt en dan, als je hem op je monitor bekijkt, besef je dat het geen opname is, maar een goede achtergrond voor een opname; wat je mist is een hoofdpersoon of actie. Ik nam deze foto, geïnspireerd door de grafische vormgeving van de schaduwen en kolommen, maar het is heel goed mogelijk dat als de bries niet had gewaaid en het tafelkleed op de verste tafel niet was opgeschroefd, de foto, zoals zo vaak, in de “Plaatsen waar niets gebeurt”-archieven zou zijn beland. Conclusie één: let bij het fotograferen op veranderingen in de toestand van alle elementen in het kader en reageer snel en intuïtief. Conclusie twee: doe meer takes. Deze opname was een van de vijf, en hoewel ze allemaal in een minuut gemaakt zijn, zijn ze allemaal verschillend op de monitor.

Photoshoppen was beperkt tot vermindering van de kleurverzadiging en wat lichte aanpassing van de helderheid.

Canon EOS 5D, 24-105/4L op 45mm, ISO 100, 1/400s, f/10, belichtingscompensatie +1/3, diafragmavoorkeuze.

Dit is een kleermakerij in een straat in Vientiane bij nacht in Laos. Mannequins met onafgewerkte jassen zien er ’s nachts zeer betekenisvol uit in het levenloze schijnsel van tl-lampen.

Nachtfotografie is een onuitputtelijke bron van goede vreemde foto’s die bekende dingen op een ongewone manier laten zien. Hiervoor heb je geen statief nodig – een stabilisator en een camera die nog redelijk goed op hoge gevoeligheden schiet, geven je voldoende mogelijkheden en stellen je in staat spontaan te reageren, terwijl een statief een oordeelkundige aanpak vereist. De nachtscène, althans in kleur, is volledig veranderd door de overstap naar digitaal: in de diavoorstellingen was een dozijn metingen met een goede spotmeter voldoende geweest voor een dergelijke opname, maar nu heb ik alleen een snelle opname en een snelle correctie nodig.

Nachtopnamen zijn ook interessant, omdat je zo de levendigheid van de kleuren bij kunstlicht kunt behouden. RAW-formaat wordt sterk aanbevolen.

Canon EOS 5D, 24-105/4L op 40mm, ISO 1600, 1/10 sec, f/5.6, belichtingscompensatie -1, diafragmavoorkeuze.

Uit de serie “Life of a Model”. Het overdreven vrolijke gekwetter van jonge vrouwelijke modellen in een modeshoot kan leiden tot het soort hooliganisme dat de eeuwenoude verdeling van de mannelijke perceptie van vrouwen in twee ongelijke delen weerspiegelt: boven en onder de nek. Ik dacht op dat moment dat het beter was om mijn hoofd niet in het frame te steken…

Toch is het beeld vrij integraal, levendig en emotioneel, en toch verwarmd door het verzadigde kleurenschema.

Pentax 645, 75 mm, Ektachrome 100S, 1/60 c, studiolicht.

Istanbul straatbeeld in de geest van de reportage van 1950-60: een vluchtig moment, een expressieve blik, een vage aanhef. Deze stijl was de creatieve verwezenlijking van de technische mogelijkheden van het snapshot zonder lange preludes, en de kern van zijn filosofie was de vergankelijkheid en uniciteit van het moment, de esthetiek van het vluchtige. Het is jammer dat toen het technische talent van camera’s nog groter werd en de mogelijkheid om een moment in de tijd vast te leggen vanzelfsprekend werd, het ophield fotografen te inspireren…

De Olympus E-3, Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 bij 23mm Eq. 46mm , ISO 100, 1/160s, f/4.5, belichtingscompensatie -1/3, diafragmavoorkeuze.

Er zijn twee “hoofdpersonen” in deze opname: de muur van de kathedraal en het zwarte silhouet op de voorgrond. Wie van hen “belangrijker” is, is onduidelijk, en deze onzekerheid is de reden van de spanning in de plot.

Interessant is dat de linkerkant van het kader een beetje hol lijkt, maar zich actief verzet tegen pogingen om het bij te snijden of te verkleinen verschillende pogingen hebben aangetoond dat het beter is het kader te laten zoals het is .

Pentax 67, 90 mm, zwart-wit film.

Door over te gaan op zwart-wit wordt vaak de nadruk gelegd op de textuur, die even gevarieerd is als de zee van leven, en komt deze in het centrum van het beeld te staan. Het semantische centrum van dit vluchtige shot, genomen op een schoolbal, is de onbedoeld gespierde rug van het meisje, terwijl al het andere dient als haar achtergrond, haar habitat zo u wilt, en de veters als een soort voetstuk. Zoals de suite de koning maakt, zo doet het centrum van de foto onderwerp, compositie, enz. dat ook. d. leeft niet zonder zijn vele ondergeschikten en perifere details, die veel meer ruimte innemen in het kader dan het centrum zelf. De praktische conclusie is dus: haast je niet om onbelangrijke details bij te snijden, en als je toch besluit te snijden, moet je de oorspronkelijke versie opnieuw instellen en kijken of het kader is verbeterd en of sommige onopvallende maar belangrijke compositorische details zijn behouden. Foto door Egor Narizhny.

Canon EOS 5D, 70-200/2.8L op 70mm, ISO 1250, 1/160c, f/5, diafragmavoorkeuze.

Architectonische details kunnen expressief zijn en lijken soms zelfs levend – zoals hier, waar een bakstenen raam in een oud Romeins huis al eeuwenlang communiceert met een ronde opening als je maar wist waar het om ging . De oorspronkelijke opname was veel groter om een prozaïsche reden: op dat moment had ik nog niet gespaard voor een TV-toestel voor deze camera en uit de kadering bleek dat het beter was de cirkel te snijden “zoals hij is” en niet te rommelen met de verhoudingen van de lege muur onder en boven het raam.

Pentax 67, 90 mm, zwart-wit film.

De getextureerde muren van de oude wijken van Athene zijn een serieuze verleiding voor fotografen. Zoals altijd benadrukt het zwart-witgamma de textuur, en die is hier volop aanwezig: scherpe, donkere bladeren, ruwe muren en witgekalkte wandelpaden. Actieve vlakken muur zijn op zichzelf buitengewoon expressief, maar vereisen zorgvuldig “acteren” met accentdetails en hun omgeving. Voor een interessant resultaat moet je oefenen en de resultaten zorgvuldig bestuderen.

Pentax 67, 55mm, zwart-wit film.