De ondoorgrondelijke Alexander Kitaev en zijn St. Petersburg

De tentoonstelling van Alexander Kitaev in het Lumière Brothers Center for Photography was een echte gebeurtenis in het culturele leven van de hoofdstad. Kitaev is een van de belangrijkste fotografen van St. Petersburg, organisator en curator van talrijke projecten en, meer recentelijk, historicus van de fotografie. In de geschiedenis van fotografische opnamen van St. Petersburg vanaf de tijd van Ivan Bianka tot heden, heeft het ongetwijfeld zijn plaats ingenomen door een onnavolgbaar beeld van de STAD te scheppen. Kitaevs belangrijkste en favoriete onderwerp, St. Petersburg, wordt voor het eerst op zo’n grote schaal weergegeven. De tentoonstelling bestaat uit 130 originele werken die gedurende een kwart eeuw zijn gemaakt.

Luna. 1995 g.

Alexander Kitaev uit interviews door de jaren heen:

“Er is een begrip van een “multi-tasker”, dat wil zeggen iemand die verschillende beroepen beheerst… In de fotografie ben ik een beetje een “multi-tasker”.

“Mijn professionele credo is ontwikkeld door jarenlange ervaring: “Doe nooit wat vandaag in trek is.”. Ik heb de moderniteit altijd beschouwd als een orde, als geweld tegen de vrije creativiteit, die alleen zou moeten beantwoorden aan de innerlijke bewegingen van de ziel.

“Op een gegeven moment besefte ik dat fotografie al het andere in mij had opgeslokt, dat mijn bloedsamenstelling naast rode en witte bloeddeeltjes ook lichtgevoelige zilverhalogeniden bevatte, en dat ik zonder hun constante gewaarwording niet levensvatbaar was, dat fotografie mijn manier van leven was geworden, mijn manier van waarnemen en communiceren. Het was rond 1987”.

“De camera moet een verlengstuk van de hand worden en het hoofd vrijmaken om volledig op te gaan in de creatie van het beeld.”.

“Petersburg is tijdloos voor mij, en ik probeer de onveranderlijke spirituele kern van deze stad vast te leggen als een Persoonlijkheid. Ze is tegenstrijdig, deze persoon.”.

“Het portret zal nooit verdwijnen, want iedereen op deze planeet is in de eerste plaats geïnteresseerd in zichzelf, in de omstandigheden die hij voorstelt, of in de omstandigheden die hij veronderstelt. Anderzijds is het portret niet geschikt voor de verfijnde intellectuele en formele postmodernistische spelletjes van de hedendaagse kunst. Voor veel artiesten is het nu belangrijk om zo hard mogelijk ‘Ik ben’ te roepen!!!”. En het kan hem niet eens schelen of er een echo is… En in een portret staat de kunstenaar altijd op de tweede plaats, met het personage op de eerste plaats. En je portret is gericht aan morgen, tenminste. En portretteren veronderstelt op zijn minst een beheersing van het ambacht, de school. En dit alles is niet “relevant” voor de hedendaagse kunst. Daarom zien veel kunstenaars er tegenwoordig van af een portret te schilderen. Ik, daarentegen, zit in de achterhoede. Voor mij is relevantie in relatie tot kunst een scheldwoord.

Alexander Kitaev.Foto door Stanislav Chabutkin.

De ijsdrift op de Moika rivier. 2003 g.

– Alexander, je hebt je tentoonstellingsactiviteiten de laatste jaren sterk ingeperkt. Wat is deze tentoonstelling voor jou geworden??

– Er was inderdaad een tijd dat ik elk jaar meerdere one-man shows had, en niet te vergeten deelnam aan tientallen groepstentoonstellingen… Ik heb veel gefotografeerd en afgedrukt en ik wilde de mensen de vruchten van mijn werk laten zien… Nu ben ik meer en meer bezig met de geschiedenis van de fotografie en het onderwijs. Ik heb steeds minder tijd om mijn eigen tentoonstellingen te organiseren… Maar als mij wordt aangeboden om een tentoonstelling te doen en de voorwaarden lijken mij aanvaardbaar, dan ga ik akkoord… Deze tentoonstelling bestaat uit verschillende series en cycli van foto’s uit het verleden. Elk van deze series was op de een of andere manier een mijlpaal in mijn leven, maar ze werden nooit allemaal samen tentoongesteld. De tentoonstelling is nauwelijks een samenvatting te noemen, maar eerder een terugblik.

– U bent zeker een van Nederlands beroemdste fotografen. Voelt zo’n populariteit goed, en hoe leef je ermee??

– De term “beroemd” is nauwelijks van toepassing op een fotograaf. Degene achter de lens is zelden bekender dan degene ervoor. Misschien zijn het de bijzonderheden van het beroep. Men kan niet anders dan aan architecten denken? Hun kunstwerken staan voortdurend voor onze ogen, we bewonderen en genieten er allemaal van, maar slechts weinigen herinneren zich hun gezichten of de namen van hun scheppers. Zo is het ook met fotografen: zij belichten en verlichten de wereld om hen heen, maar staan bijna altijd in de schaduw. We kunnen dus slechts spreken van een zeer beperkte erkenning, namelijk in een bepaalde kring van mensen wier beroepsactiviteit op de een of andere manier verband houdt met de “consumptie” van fotografie.

Het feit dat ik, zoals u het zegt, “beroemd” ben in een bepaalde kring heeft volgens mij twee heel objectieve redenen. Ik ben al lang fotograaf, en er is een natuurlijke generatiewisseling. En in elke gemeenschap of beroep moet er altijd een gezaghebbende figuur de leiding hebben. Nu ben ik het. Het gaat dus niet om mijn speciale talenten, maar om het feit dat ik mijn oorspronkelijke creatieve impuls en mijn gevoel van mezelf, de auteur, heb behouden als een kleine schakel in een eindeloze fotografische stok… Het andere aspect heeft ook met tijd te maken. Sinds ongeveer het begin van de 21e eeuw, met de komst van nieuwe fotografische technologie, zijn miljoenen mensen over de hele wereld betrokken geraakt bij het maken van foto’s. Velen van hen willen beter worden in hun hobby en zoeken iemand om van te leren en door te worden begeleid. Veel mensen houden van mijn foto’s – vandaar, volgens de wet van de grote getallen, mijn bekendheid.

En wat betreft “leuk” en “hoe te leven”, wel, zoals elke munt, zijn er twee kanten. Omdat ik in de publieke belangstelling sta, moet ik veel foto’s bekijken, de meeste slecht. En niet alleen om naar ze te kijken, maar om er iets over te zeggen, om het uit te leggen, want mensen komen naar me toe voor advies, voor hulp, voor evaluatie. Het is vermoeiend en dof voor het oog. Tegelijkertijd kan ik door mijn populariteit veel problemen met minder moeite en energie oplossen. Of het nu gaat om onderhandelen met kopers of onderhandelen met ambtenaren voor tentoonstellingen.

– Hoe breng je een kunstenaar in jezelf naar boven?

– Veel hangt af van het uitgangspunt: familie, sociale kring, geboorteplaats, enz. Ik ben geboren, zoals ze zeggen, in een “eenvoudig” gezin. Mijn ouders waren boerenkinderen. Mijn vader werd automonteur en mijn moeder verpleegster. Dus, de sociale kring van mijn schoonfamilie was niet erg bevorderlijk voor creativiteit… Maar ze hebben me geleerd hard te werken. In mijn jeugd heb ik, naast fotografie, veel ambachten onder de knie gekregen. Werken op een saaie, mechanische manier is voor mij nooit interessant geweest, en in elk vak heb ik iets uitgevonden, ben ik creatief geweest. Toen fotografie op de voorgrond trad in mijn leven, besefte ik dat ik zonder verandering van mijn sociale kring ik werkte als metaalbewerker in een fabriek niet in staat zou zijn om de kunsten, niet de ambachten, alleen onder de knie te krijgen. In die tijd, begin jaren zeventig, werd ik lid van een van de beste fotoclubs van het land, het Vyborg Cultuurpaleis VODK ., Ik werd lid van een van de beste fotoclubs van het land in die tijd, de Vyborg Palace of Culture VDK club. Dat was de eerste stap. Later, toen ik al een fabrieksarbeider en fotograaf was, probeerde ik heel hard om me te bekwamen in de geesteswetenschappen. Nog een stap: in 1987 werd ik lid van de fotoclub “Mirror”, waar de creatieve sfeer floreerde… En toen had ik geluk: ik leerde de opmerkelijke kunstenaar en polymaat Pavel Potekhin kennen en met hem bevriend zijn. Het voltooide mijn artistieke opleiding.

Ik ben ervan overtuigd dat de titel van een artiest geen titel op zich kan zijn. In alle tijden en in alle generaties van fotografen zijn er meesters geweest wiens werk uit de gratie is geraakt… Om hen van de rest te onderscheiden, noemden hun tijdgenoten hen kunstenaars. Ik heb ergens gezegd dat toen ik mijn eerste tentoonstelling had en van bezoekers aan mijn atelier hoorde: “Kijk, daar is hij een kunstenaar!? Het bleek over mij te gaan. Het was erg onconventioneel. Deze titel is nu behoorlijk gecompromitteerd. Talrijke instellingen voor hoger onderwijs leiden kunstenaars op in dezelfde tijd als ingenieurs en leraren in het middelbaar onderwijs. En veel mensen die een camera hebben opgepakt, bestellen meteen een visitekaartje waarop staat dat de eigenaar ervan fotograaf en kunstenaar is. Ik wil me niet echt bij deze rangen aansluiten. Ik heb het gevoel dat dat tegenwoordig niet meer het geval is. Een “fotograaf-kunstenaar” heeft niet meer zin dan een “tramreiziger”.

– Om St. Petersburg zo levendig in beeld te brengen, moet je het goed kennen en voelen. Hoe is uw visie op de stad gevormd??

– Hoe het werd gevormd? Ik zal proberen je erover te vertellen, maar denk niet dat het een bewuste taak was die ik mezelf op jonge leeftijd oplegde. Alles gebeurde op de een of andere manier vanzelf. Ik heb altijd veel gelezen, en over St. Petersburg zijn veel werken van grote dichters en schrijvers opgenomen in de schatkamer van de wereldliteratuur. Als ik naar dit of dat onderwerp in St. Petersburg keek – een plein, een straat, een gebouw, enz. d., Ik wist al iets over hen uit de literatuur. Maar ik heb altijd meer willen weten – de biografie van het onderwerp waarin ik geïnteresseerd ben: wie zijn de ouders, wanneer is hij geboren, wat was de tijd van? Om mijn nieuwsgierigheid te bevredigen, moest ik de geschiedenis van Sint-Petersburg bestuderen en daardoor ook de geschiedenis van de Petersburgse architectuur in het algemeen, de biografieën van de makers en de beroemde bewoners – vandaar de geografie. Los daarvan bestudeerde ik de iconografie van Sint-Petersburg en de geschiedenis van de beeldende kunst. Er is een heel complex, ik kan je niet alles vertellen. Eén ding is zeker voor mij: De stad heeft mij en mijn visie gevormd. Misschien heb ik het voor iets gekozen. En ik ben hem veel dank verschuldigd. Ik weet niet hoe het komt, maar in tegenstelling tot veel van mijn landgenoten ga ik niet op de barricaden in de strijd tegen deze of gene vernieuwing in St. Ik weet dat het “genie van de plaats” alles wat niet naar zijn zin is aankan, en God zal de rest wel regelen. Het lijkt me dat ik al meer dan driehonderd jaar in deze stad woon en ik weet dat geen enkele tactische ingreep de strategie ervan kan veranderen… Het is de stad die ons bezit, niet wij!

Tijdens het fotograferen van mijn eigen stad heb ik nooit overwogen mijn foto’s te verkopen en ik heb bijna nooit foto’s in opdracht gemaakt. Ik was altijd de klant. Ik verdiende mijn brood en mijn artistieke talenten met toegepaste fotografie. Ik denk dat dit een effect heeft gehad op mijn foto’s…

– Kunt u de foto’s noemen waarmee de kunstenaar Alexander Kitaev echt begon??

– Je weet dat ik in verschillende genres werk? Nou, ik herinner me heel goed een foto waarna ik tegen mezelf zei: nu kun je St. Dat wil zeggen, ik besefte dat het gevoel van St. Petersburg dat in mij leefde iets was dat ik kon belichamen in de afbeelding op het blad. Het gebeurde rond 1982, na tien jaar fotograferen. Het was toen dat ik in mezelf voelde – en degenen om me heen konden het nog niet zien – dat wat de critici later “Kitajev’s Petersburg” begonnen te noemen zich begon af te tekenen. Hetzelfde gebeurde in andere genres. Maar toen ik begon te fotograferen rond 1989 , ben ik meteen iets anders gaan doen dan mijn voorgangers.

Joseph Brodsky legde ooit aan zijn studenten uit dat het werk van een dichter altijd een werk in uitvoering was, een selectie, en dat de dichter iets van een Hercules was. Zijn prestaties zijn zijn gedichten. Het is onmogelijk om te begrijpen wat Hercules is door één, twee of drie prestaties. Hercules is alle twaalf. Zo gaat dat in de fotografie: uit één foto kun je noch het begin van de reis noch de omvang van de fotograaf afleiden. En het is geen Hercules-zaak om de eigen daden “heldendaden” te noemen..

– Is uw perfecte beheersing van de compositie een aangeboren gevoel of het resultaat van hard werken en jarenlange ervaring??

– Geen van beide. Hier ben ik het eens met Thomas Mann: “de vaardigheid waarvoor men een innerlijke noodzaak heeft, is vrij snel verworven”.

Een foto nemen is een emulsie of matrix bombarderen met fotonen. Dit bombardement is niet altijd gericht op. Maar je moet het tenminste in een bos doen. Om de melk niet te raken, moet je de vaardigheid van compositie verwerven. Misschien is deze vaardigheid sneller en gemakkelijker voor Petersburgers. De bewoners van de Neva-delta worden omringd door een verbazingwekkend harmonieuze ruimte, gecreëerd door eersteklas architecten; de musea van Sint-Petersburg zijn gevuld met meesterwerken van de schone kunsten, die voorbeelden zijn van een feilloze compositie. Het is allemaal uit de kindertijd die het oog wil opvoeden. Het enige wat rest is de vruchten van deze opvoeding te gebruiken en het onderwerp goed te begrijpen.

Ik wijs erop dat de zogenaamde wetten van samenstelling niet iets zijn dat eens en voor altijd is ontdekt, bestudeerd en aanbevolen voor verplichte toepassing, wat succes garandeert. Het menselijk oog wordt steeds beter uitgerust, en de klassieke opvattingen over de wetten van de compositie werden geformuleerd toen de schone kunsten nog in de kinderschoenen stonden, toen ze over een relatief eenvoudig instrumentarium beschikten. “Toon- en lijnperspectief”, “ritme”, “scène- en compositiecentrum”, “afwisseling”, enz. p. – niemand heeft dit ooit geannuleerd. Maar een hedendaagse kunstenaar gebruikt ultragroothoek- of ultralangetermijnlenzen, schiet op infraroodfilm of gluurt in het onzichtbare met röntgenstralen, enz. d. Dit alles doorbreekt de gebruikelijke noties van ruimte en onderwerp, en zet ons ertoe aan creatief om te gaan met de regels van de compositie en deze aan te passen aan de moderne menselijke visie. Volgens mij komen de wetten van de compositie altijd naar voren nadat het werk is gemaakt. Een kunstenaar leest geen handleiding, maar luistert naar iets van boven en creëert een perfect kunstwerk. Een theoreticus komt langs, verdeelt het beeld in zijn componenten, weegt het, betast het, meet het en zet alles op zijn plaats. Dan schrijft ze recepten voor het maken van meesterwerken.

– Het constante streven naar perfectie is het streven naar iets onmogelijks en onbereikbaars?

– Nee, dat is het niet! Alleen het streven naar het maximaal haalbare. Er zit een soort stemvork in mij, en als ik daarnaar luister, weet ik of ik iets bereikt heb of niet. Zoals bij elke creatieve activiteit heeft dit twee aspecten: de techniek en de kunst zelf.

Qua techniek zit het zo. Je weet dat ik nog steeds in de zilvertechnologie werk? En het laat je, in tegenstelling tot de digitale, niet toe een stap terug te doen. Het hele zilveren fotografische proces, met zijn verplichte, uit meerdere stappen bestaande en niet-momentaire cyclus van beeldverwerking, bepaalt een bepaald levensritme. De zilveren 35mm film is slechts vijf voet hoog. Maar elke keer als je ermee te maken krijgt, ga je op je knieën. Je moet goed belichten, en je kunt de film niet “schoonmaken” en opnieuw belichten. Je kunt niet ontwikkelen en niet repareren, repareren en niet wassen, wassen en niet drogen, enz. d. Het is disciplinering. Het verplicht me, dwingt me alleen om vooruit te gaan, naar een ideaal, perfect negatief, omdat de tweede fase zal bestaan uit het maken van een niet minder perfecte afdruk, een positief. En er zijn veel subtiliteiten, verantwoordelijkheden en valkuilen. Hier is een voorbeeld. Natuurlijk papier vereist altijd twee handen. Iedere graficus weet dat. Grafische kunstenaars hebben altijd de textuur en de dichtheid van papier gevoeld, het gedrag ervan in lengte- en dwarsrichting, en ik heb dat ook geleerd. Ze hebben het tactiele contact ermee altijd gewaardeerd. En hoe beledigend voor hen, en vervolgens voor mij, was de slordige behandeling van het werk op papier! Een koper komt en neemt een blad met één hand – dat is het, een storing is gegarandeerd! Ik heb het niet over vingerafdrukken… Je ziet het meteen: je bent een amateur met een zak vol circulatiepapieren.

Dit is één kant van de zaak. De andere is dat de fotograaf, die creatief wil zijn, voortdurend de laborant een beetje uit hem of haar moet persen. Oh, hoeveel van mijn collega’s denken dat een perfecte afdruk een kunstwerk is, daarbij vergetend dat een werk niet zozeer een product is als wel een boodschap… De beeldtechnologie is tegenwoordig zo goed dat we volledig worden omringd door technisch vaardige foto’s. Maar als ze iets uitbeelden of weerspiegelen, is het meestal de nogal primitieve innerlijke wereld van de schepper. En geven niets aan de ziel of het hart van de verfijnde kijker… Ook hier sta ik mezelf toe Brodsky te citeren: “Een van de grote problemen waarmee een dichter vandaag de dag wordt geconfronteerd, of hij nu hedendaags is of niet, is dat de poëzie die eraan voorafgaat – met andere woorden, de erfenis – zo omvangrijk is dat het eenvoudigweg de vraag is of je eraan kunt toevoegen, je voorgangers kunt wijzigen of je eigen kunt blijven”. …Om te denken dat je iets kwalitatief nieuws kunt zeggen na mensen als Tsvetajeva, Akhmatova, Auden, Pasternak, Mandelstam, Frost, Eliot…., – betekent een zeer zelfingenomen of zeer onwetend type… Ik zou mezelf in de laatste categorie plaatsen. Als je voor het eerst gaat schrijven, weet je niet veel over wat er voor je gebeurd is. Het is pas halverwege je leven dat je deze kennis verwerft, en het nagelt je aan de grond of hypnotiseert je”.

– Bij een beoordeling van je eigen werk vertrouw je alleen op jezelf?

– De laatste jaren probeer ik alleen naar mezelf te luisteren. Ik heb het al gehad over de innerlijke stemvork. Weinig mensen zijn eensgezind met mij en ik wil niet dansen naar andermans pijpen… Ik weet niet eens wat er nog meer kan worden toegevoegd.

Maar je hoeft niet altijd alleen naar jezelf te luisteren. Ik zal je een verhaal vertellen. Toen ik fotograaf was in een scheepsbouwwerf, ergerde ik me aan productietaken die me dwongen kopieën te maken van toegepaste fotografie op kostbaar zilverpapier. Ik dacht dat ik elk zo’n blad beter kon gebruiken, er een kunstwerk of zelfs een “netlenka” op afdrukken. Het was vooral woedend als het ging om de circuits van de elektrische schema’s van dit of dat instrument van een onderzeeër of oppervlakteschip… Er waren immers al lichtkopieermachines en fotokopieerapparaten – sneller en goedkoper. Maar nee! De eisen van de zeelieden waren onveranderlijk: alleen zilveren afdrukken! Ik ben het gaan onderzoeken en het blijkt dat in een agressieve omgeving alleen de goede oude zilvertechnologie het beeld bewaart en daarmee de bemanning in nood helpt redden. Als het gaat om het overleven van mensen in extreme situaties, hoe kun je daar tegenin gaan?? Dat mijn artistieke ambities in vergelijking met het leven van mensen?

– Hoe heeft de relatie met uw collega’s zich ontwikkeld, was er een verlangen naar erkenning??

– Het is verschillend in verschillende stadia. Ooit was het natuurlijk belangrijk om erkend te worden door je collega’s. En daarom. Historici uit het Sovjettijdperk schreven bijvoorbeeld over fotografen uit het pre-revolutionaire Nederland: “Dmitrievs creativiteit ontwikkelde zich onder de moeilijke omstandigheden van de tsaristische tijd”. Nu wordt vaak gezegd dat deze en gene is opgegroeid in de ondraaglijke omstandigheden van de Sovjets. Voor fotografen werden de “moeilijke omstandigheden” nog verergerd door de absolute niet-erkenning van fotografie als kunst door de Sovjetinstellingen. Maar wij fotografen dachten daar anders over! Bovendien werkten we in een informatievacuüm en kenden en zagen we weinig van het werk van onze buitenlandse collega’s, zowel voorgangers als tijdgenoten. Dus moesten we vooral van elkaar leren. Er waren geen andere specialisten! Dit is een eigenaardigheid van de binnenlandse fotografische gemeenschap. Ik herinner me de stroom van kunstcritici, curatoren en galeriehouders die na de perestrojka vanuit het Westen naar ons land kwamen om van hun Nederlands collega’s informatie te krijgen over onze hedendaagse fotografie. Die waren stomverbaasd: “Wat? Fotografie? Zijn er zulke kunstenaars??”. Met andere woorden, fotografie kon, net als seks, niet bestaan in het Sovjet land..

Toen kwamen andere tijden en andere relaties. Op de een of andere manier kwam de erkenning van mijn collega’s ongemerkt tot me. Ik weet uit ervaring hoe moeilijk het is om het werk van oude vrienden en kennissen helder te blijven waarnemen en waarderen. Ik wil afstand. Het is dan tenminste enigszins vergelijkbaar met de waarneming in zijn absolute omvang.

Petersburg. 2005 g.

Bomen. 1992 g.

De monding van de Sadovaja-straat.1995 g.

Zelfportret met kinderen. 1995 g.

Maart. 2008 g.

Omleidingskanaal. 1995 g.

De Pikalovbrug. 2003 g.