Overzicht fotofestival: Fotobiënnale 2012

Photobiennale is het grootste Nederlands fotografiefestival. Het wordt twee keer per jaar gehouden, afwisselend met “Mode en stijl in de fotografie” door het Multimedia Art Museum voorheen het Moscow House of Photography . De Photobiennale werd in 2012 voor de 9e keer gehouden, met meer dan 60 tentoonstellingen. Volgens het concept van de organisatoren moesten ze allemaal onder twee noemers worden gebracht: het hoofdthema was “Focus – USA” 2012 was uitgeroepen tot het Jaar van de VS in Nederland en Nederland in de VS en “Filmmakers – Fotografen en Fotografen – Filmmakers”.

Chris Marker. Uit de serie “Koreanen”, 1957

Courtesy van de kunstenaar en Peter Blum Gallery, New York

Anders dan in voorgaande jaren bijvoorbeeld in 2008, toen een retrospectief van Andreas Gursky naar Amsterdam werd gehaald, en “The First Flower” – een heldere expositie over de geschiedenis van de kleurenfotografie in Nederland, samengesteld door MDF-curatoren – was er op de Fotobiënnale 2012 geen dergelijk hoogtepunt te zien. In het algemeen maakte het dit jaar tegen de gebruikelijke “geboortemerken” van het festival bijvoorbeeld vage onderwerpen en het ontbreken van een uniform conceptueel kader een indruk van een bijzondere “vervaging”, alsof de belangstelling voor het idee zelf door de organisatoren was uitgeput. Hij lichtte niet op – en velen hebben dit opgemerkt – met de gebruikelijke energie van creatieve verbranding en enthousiasme bij het presenteren van de schatten van de fotografie. Toch was ook deze keer een interessante selectie tentoonstellingen te zien van westerse kunstenaars, waaronder kunstenaars die werken op het raakvlak van de hedendaagse kunst. Het zijn deze die misschien wel het sterkste punt zijn geworden van het huidige fotografie-onderzoek.

Moderniteit is, zoals we weten, niet alleen een woord om ons heden te beschrijven dat zouden we ook kunnen zeggen over onze tijd in de 16e en 18e eeuw . De moderniteit is een bijzondere fase in de ontwikkeling van de cultuur, waarin de traditionele samenleving in duigen valt, de waarde van alles wat vernieuwend is sterk toeneemt en de stedelijke omgeving een gemeenschap van voortdurende verandering wordt. De Amerikaanse cultuur is hier een belangrijk symbool: zij heeft altijd vooropgelopen in de “moderniteit”, zowel in positieve als in negatieve zin. Het is dan ook niet verwonderlijk dat de presentatie van het “probleem van het heden” zo treffend tegenover het “Amerikaanse thema” staat. En voor Nederland, met onze ongemakkelijke geschiedenis, met zijn eeuwige verlangen om iemand “in te halen en te overtreffen”, met zijn monsterlijke ervaring van gewelddadige moderniseringen en, tegelijkertijd, met zijn eeuwige verlangen om uit de vooruitgang te stappen en te bevriezen in “gemeenschap” en “collegialiteit”, is dit waarschijnlijk een van de dringendste ideeën om over na te denken.

Verschillende projecten van zo verschillende maar conceptueel zeer vergelijkbare auteurs als Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei en Alec Soth klinken als een verenigd en coherent akkoord van reflectie over een bepaald thema.

Eén daarvan is Shore’s Amazing Places. Nadat hij in de jaren zeventig door Amerika reisde en in 1982 Uncommon Places publiceerde, was Shore de pionier van verschillende van de meest actuele trends in conceptuele en documentaire fotografie. Zijn snapshots van de eenvoudigste scènes uit het dagelijks leven slaan een brug tussen wat relevant is voor het tijdperk waarin zijn werk is gemaakt en onze eigen tijd: de naoorlogse straat- en straatfotografie, het ontstaan van serieuze belangstelling voor kleur hier wordt Shore’s naam genoemd naast die van William Egleston , de ‘onpartijdige’ onderzoeksfotografie van Becher, de invloed op Nan Goldin, Andreas Gursky en Martin Parr en de huidige belangstelling voor het banale als artistiek…

Parr werd vertegenwoordigd door zijn veelgeprezen project The Last Refuge. Foto’s van New Brighton 1983-85″. Hoewel een persbericht meldt dat de serie “door de krant The Guardian is opgenomen in haar lijst van ‘1000 kunstwerken die je moet zien voordat je sterft'”, riep de serie aanvankelijk zeer gemengde reacties op. Een deel van het publiek zag het als een scherpe en bijtende politieke satire, anderen zagen het als een bespotting van een vakantieganger uit de arbeidersklasse die in een resort in Brighton verblijft een woordspeling natuurlijk: resort betekent zowel “toevluchtsoord” als “resort” . De visie van Parr combineert een koelbloedige woede ten aanzien van het vernederen van mensen met politici met een koelbloedige woede ten aanzien van het vernederen van mensen met politici ? aan de domheid van de mensen die zich laten manipuleren? en een bewondering voor kleur, textuur en de schoonheid van het alledaagse.

Het werk van Parr sluit aan bij de samengestelde tentoonstelling “Photographs and Texts” van Taryn Simon, die aan het begin van het festival, vóór de officiële opening, werd getoond. Shore’s beelden van twee projecten zijn bijzonder indrukwekkend: “Innocents” 2003 en “American Catalogue of the Hidden and Unknown” 2007 . De eerste toont portretten van mensen die zijn veroordeeld voor misdaden van anderen op basis van hun valse foto-identificatie. DNA-tests redden denkbeeldige daders van executie of levenslang, maar velen hebben 10-20 jaar gezeten. “Amerikaanse catalogus” – is een reeks foto’s van objecten die het fundament en de hoekstenen van het Amerikaanse leven vormen, maar “onzichtbaar” blijven voor de gemiddelde burger en de kijker: het opslagcentrum voor kernafval, het Cryonics Institute waar bevroren lijken in speciale capsules worden bewaard in afwachting van wederopstanding, het hoofdkwartier van de CIA dat een permanente tentoonstelling van hedendaagse kunst aan het oog onttrekt, waarvan sommige genres werden gesteund om de “Amerikaanse manier van leven” te bevorderen, enzovoort, enzovoort. Gemaakt op een bewust “neutrale,” “verkennende” manier en vergezeld van vrij lange teksten, maakt Simons werk het onbekende zichtbaar, met inbegrip van propaganda en ideologie, waarbij de kloof tussen verbeelding, fictie, manipulatie en werkelijkheid wordt verkend. En tussen tekst en visuals. Simon onderzoekt fotografie als het decor van het hedendaagse leven en wijst op de rol ervan bij de opbouw van ons bewustzijn en onbewuste.

“The Invisible Man” van Liu Bolin – een tentoonstelling die zowel een zacht maar zeer definitief commentaar wordt op het Chinese politieke en sociale leven en de grote wereldproblemen in het algemeen als een verrassende reflectie op de aard van de fotografie, een verkenning van verschillende strategieën en soorten wereldkunst, optische illusies en waarnemingswetten. Wat er van dichtbij uitziet als een foto met elk detail zichtbaar, blijkt van een afstand een hiëroglief te zijn waarin alle “strepen” en “tekens” samensmelten tot één beeld, en de persoon alias de auteur gewoon verdwijnt.

“Ruthless Beauty” van Soth leek een ongelukkig curatorieel project, waarvan de selectie en opstelling de sensatie van het werk van een van de meest interessante kunst-documentaire kunstenaars van onze tijd vertroebelen. Als verhalenverteller en schepper van boekenreeksen geeft Soth zijn werken een vreemde kwaliteit die we al gezien hebben bij Simon en Bolinh – een ironische verkenning van de naden van de fotografie als “medium”, die ook heel filmisch is, waarbij de hele ruimte van een film wordt samengeperst in een krachtig, complex enkel frame.

Uit de beelden van Shore, Parr, Simon, Bolinia en Sotha worden draden getrokken voor andere Fotobiennale-projecten, waardoor de structuur zelf van de Fotobiennale wordt samengebracht en aaneengenaaid. Enerzijds aan “archief”- en historische tentoonstellingen, anderzijds aan het kruispunt van verschillende kunstvormen, ditmaal vooral vertegenwoordigd door tekst, fotografie en film.

Een van de eerste projecten was de enorme tentoonstelling “New York. 1983-1993” van de Chinese kunstenaar Ai Weiwei. Ai Weiwei werd vorig jaar in Art Review magazine’s lijst van “Influential Artists of Today” benoemd tot “Most Admired”, maar werd in 2008 een van China’s symbolen van verzet. De kunstenaar werd in elkaar geslagen nadat hij een onafhankelijk onderzoek naar de aardbeving in Sichuan, inclusief corruptie in de bouwsector, had gesteund; hij werd vervolgens gearresteerd, zijn studio werd vernield en er werd een belastingontduikingszaak tegen het ontwerpbureau aangespannen. Inschrijvingen brachten in totaal 1 miljoen op voor de film. Het project zelf, dat te zien was op de Fotobiennale 2012, was echter al lang voor de beschreven gebeurtenissen gecreëerd. De tentoonstelling bevat ongeveer 200 foto’s van New York City van de 10.000 , waaronder foto’s van het New York City Police Department en een selectie van fotografen uit de hele wereld. . Dit is een soort reisverslag, maar niet met de hand, maar met de camera, en wordt een uitgebreide encyclopedie van het plaatselijke leven. Een verwondering over het Westen, gedetailleerde documentatie van ontmoetingen met kunstenaars, waaronder beroemde fotografen als Robert Frank, en gewoon alledaagse taferelen, waaronder het leven van immigranten, zitten allemaal in Ai Weiwei’s project. De opvallende blik van een betoverde en verwarde vreemde cultuur met een andere esthetische traditie merkt paradoxaal genoeg iets basaals, visceraals en belangrijks over New York op en brengt het over, terwijl het fotografisch vroegere lagen van het visuele onthult, die de cultuur zelf tijd had om te vergeten.

De historische laag van de Photobiennale omvat ook minstens drie andere interessante tentoonstellingen: Walter Rosenblum’s From the Heart een “sociaal georiënteerde” documentaire fotografie door de leerling van Hine en Strand , Lee Friedländer’s America, A View from the Car een van de laatste projecten van de pionier van de straatfotografie, zwart-wit weerspiegelingen van Amerika in een achteruitkijkspiegel, verbazingwekkende dwarsdoorsneden van alledaagse taferelen en onverwachte invalshoeken , en New York. 1955″, ooit beroemd geworden door William Klein die Cartier-Bressons voorschrift van de “onzichtbare fotograaf” doorbrak, zijn afwijzing van technische perfectie ten gunste van spontaniteit, en het schandalige spoor van beschuldigingen tegen de 27-jarige auteur omdat hij Amerikanen als te onaantrekkelijk en New York als een sloppenwijkstad had afgebeeld .

Hiertoe behoren ook twee zeer interessante “archief”-tentoonstellingen: “De kunst van het archief. Foto’s uit LAPD-archieven” en “Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000” door Doug Menuz. Allereerst lijken beide exposities interessant vanwege het materiaal zelf, de documentatie van wat er gaande is. Maar bij nader inzien roepen ze een vraag op die in de geschiedenis van de fotografie al vaak is gesteld – over de ongrijpbare grens tussen haar registrerende, sociale en artistieke componenten.

“Archiefkunst” presenteert ongeveer 100 foto’s uit de jaren 1920 tot 1950; de negatieven werden bij toeval gevonden in 2001. Vragen over transgressie en de grenzen van het aanvaardbare, over de mate waarin beelden die bedoeld zijn voor een publiek van geharde deskundigen en forensische fotografen aan de gewone kijker moeten worden voorgelegd, en over de onbewuste esthetische tendensen die de kunstenaar ofwel verzint ofwel uit de lucht plukt, rijzen bij het bekijken van deze beelden van plaatsen delict, bewijsmateriaal, slachtoffers, moordenaars met overvallers en lijken. Op een bepaald moment betrap je jezelf op het vreemde gevoel dat dit alles op de een of andere manier minder schokkend is dan het werk van iemand als Joel Peter Witkin en dit is het echte werk dat hier wordt getoond, niet iets dat speciaal door de kunstenaar is bewerkt . Misschien omdat “archief-reportage” fotografie, zelfs op een tentoonstelling, nog steeds wordt gezien als een al te vertrouwde achtergrond.

Elk van de foto’s van Doug Menuz die de fotograaf al 15 jaar maakt is voorzien van rijk commentaar op de geschiedenis van verschillende projecten in Silicon Valley hij kwam aan de slag met Steve Jobs . Maar de hele serie kan nauwelijks een verenigd verhaal genoemd worden. Het is eerder een verzameling verhalen waarin het visuele en het verbale een gelijke rol spelen. Als je van kaart naar kaart gaat, besef je steeds meer dat je niet alleen naar een geschiedenisboek kijkt. Gaandeweg ontstaat een verrassend samenhangend idee over hoe de Amerikaanse cultuur werkt en waarom innovatie er zo goed wortel heeft geschoten. Er is hier ook een directe echo van het “ideologische” geschil tussen Klein en Cartier-Bresson over de on deelname en on zichtbaarheid van de fotograaf in wat er gebeurt: Menius was een “ingesloten waarnemer”, die dagen en nachten doorbracht met zijn personages in letterlijke zin. Zelf omschreef hij zijn project als een “visuele antropologische zoektocht”.

Aan het thema van archieven en geschiedenis werd op de Biënnale een moderne draai gegeven door twee andere tentoonstellingen: “An Artist with a Bad Camera” foto’s van Miroslav Tikhogo en “Nine Eyes of Google Street View” van John Rafman. Deze tentoonstellingen lijken twee heel verschillende en enigszins tegengestelde verhalen te vertellen. De ene gaat over een avant-garde Tsjechische kunstenaar die gemarginaliseerd wordt door de totalitaire staat. De andere gaat over de alomtegenwoordige, gedepersonaliseerde en toch onverwacht persoonlijke kijk op moderne technologieën, over de overweldigende informatieruis die ze creëren, waardoor we het idee van privacy, afstand of eenzaamheid niet kunnen realiseren. Maar beide stellen de vraag naar de dunne lijn tussen het ruwe en het technisch perfecte, amateurisme en vakmanschap, kunstenaarsgevoeligheid en waanzin, kunst en esthetische “rommel”.

Het onderwerp cinematografie, dat tweelingbroertje of broertje van de fotografie, is op de Fotobiënnale niet alleen naar voren gekomen in projecten die rechtstreeks aan bepaalde regisseurs zijn gewijd bijvoorbeeld de twee tentoonstellingen over Ingmar Bergman . Zelfs de “ongecompliceerde” blik van de documentairemaker blijkt “filmisch” te zijn. Het verbazingwekkende en slepende project van Peter Hugo “Hyena and Others” stelt aldus de vraag naar het gedwongen spel en handelen, naar het natuurlijke en het kunstmatige in de sociale wereld wat is belangrijker: stoppen met het martelen van dieren of de aandacht richten op de armoede van de gewelddadige? . Onverwachte glimpen van het thema waren zelfs te horen in The Los Angeles Archives, toen bleek dat politiefotografen in de studio’s van een van de “meest filmische” steden ter wereld bijverdienden als acteurs in casts en noir-films imiteerden.

De fotograaf wordt filmmaker of regisseur wordt fotograaf is een veel voorkomende weg voor de twintigste-eeuwse auteur. We zijn al gewend dat de vaste gast van het festival, Sarah Moon, haar volgende project, Roodkapje, presenteert. De fotoserie “Images from the Surface of the Earth” van Wim Wenders, waarmee de regisseur begin jaren tachtig begon en die tot op de dag van vandaag voortduurt, is een soort “visuele haiku”. De “stemmige” en “sfeervolle” kleurenpanorama’s op groot formaat doen denken aan Wenders’ eigen films en het werk van Bechers leerlingen, en documenteren kleur als de stroom van het leven en de grenzen van de leegte als concept. Als foto’s van Chris Marker, regisseur, fotograaf en filosoof, treffen zij de complexiteit van een vertelling, verpakt in één enkel kader, waarachter het raadsel van de ononderbroken stroom van de tijd en de afgrond van fragmenten van andermans geschiedenis schuilgaat. In Amsterdam zagen we vier Marker series en meerdere films tegelijk. “The Koreans” 1957 is een zwart-wit klassieker, gemaakt tijdens een reis naar Noord-Korea. Hoe laat is het??” 2004-2008 – wazige, heimelijke foto’s van een “welwillende paparazzi” die zijn camera verbergt in een polshorloge in de Parijse metro: lachend om iets buiten beeld, peinzend opzij en weg starend naar iets buiten beeld. “Inspired by Dürer” is een installatie die terugkeert naar oude gravures, “Silent Film” 1995 en “Empty People” 2005 zijn nog twee installaties over de niet-lineariteit van de geschiedenis en de juxtapositie van beeld, tekst en betekenis. En tenslotte, “Runway” 1962 , een film bestaande uit fotografische opnamen, die de tijd opsplitst in afzonderlijke componenten en parallelle ruimten, en het verhaal vertelt van het bestaan van de held in drie tijdlagen tegelijk.

Wat het Nederlands “segment” van het festival betreft, dit “zakt” traditioneel in vergelijking met westerse tentoonstellingen. Er waren enkele malen minder interessante tentoonstellingen, en zelfs de Amsterdam-ervaring van Harry Gruyere “Amsterdam 1989-2009” ging meer over teksten dan over fotografie.

Van de tentoonstellingen is “Selected Works” van Alexander Sliussarev zeker het vermelden waard: alleen zwart-wit werken van 1966-1993, meestal van de pers van de auteur, worden tentoongesteld., Allemaal in de pers van de auteur, meestal uit het familiearchief. De tentoonstelling heeft aangenaam verrast met uitstekend curatorieel werk, een zorgvuldige en doordachte selectie die het reeds bekende en het nieuwe samenbrengt.

“Arkady Shaikhet. Vervolg. 1928-1931”, een tentoonstelling van Maria Zhotikova-Shaykhet, de kleindochter van de beroemde fotograaf, is zeer interessant. Ondanks de overduidelijke aanwezigheid in bijna elk kader van een lofzang op de socialistische economie – nieuwe huizen, papierfabrieken, industriële installaties – tonen alle foto’s van Shaykhet op onbegrijpelijke wijze de hele onderbuik van deze verworvenheden, inclusief de armoede die het nieuwe land erfde en de onmenselijke druk op diezelfde mensen door de nieuwe regering. En ook het gewone, dagelijkse privé-leven, dat zich door elke onderdrukking heen worstelt – zelfs door de onderdrukking van de staat, die de menselijke natuur opnieuw wil vormgeven… De beelden uit Centraal-Azië zijn in dit opzicht bijzonder interessant. “De Tijdsmachine. Vladislav Mikosha’s “Kleur 1930-1970” is een echo van “Primrose”. De beroemde cineast, fotograaf en oorlogsverslaggever, die in 2009 zijn honderdste verjaardag vierde, wordt hier getoond als een van de pioniers van kleur.

In het “Nederlands gedeelte” was het filmthema vertegenwoordigd door een project voor de tiende verjaardag van de film “Russian Ark” van Alexander Sokurov en de tentoonstelling “Interior”. Natura. Vladimir Misjoekov’s “Paviljoen” foto’s van de opnames van Andrej Zvyagintsev’s “Elena” . Dat is misschien alles – en dan zijn er nog de kleine tentoonstellingen van verschillende grote hedendaagse kunstenaars in galeries in Amsterdam.

Over het geheel genomen laat het festival een vage nasmaak achter. Aan het einde ervan begint een bedachtzame criticus, die zijn geheugen van alle projecten opfrist, plotseling te zien: De Photobiennale toont cruciale trends van onze tijd, het is echt een grootschalig geheel. Daarnaast waren er zoals altijd veel goede tentoonstellingen van westerse kunstenaars gemaakt door westerse curatoren MDF heeft altijd een uitstekend gevoel voor het eindproduct dat naar Nederland moet worden gebracht . Tegelijkertijd geven de tentoonstellingen zelf echter voortdurend en gewoonlijk de indruk van chaos en desintegratie in afzonderlijke stukken; er is geen duidelijke structuur of gearticuleerd algemeen concept, noch rijp en helder curatorieel werk van Nederlands specialisten, noch een duidelijk begrip van de plaats van de Nederlands cultuur in het mondiale proces. Ik ben er helemaal niet zeker van dat de meeste kijkers die zich niet 24/7 bezighouden met het analyseren van wereldwijde artistieke trends het allemaal kunnen samenvatten. Temeer daar hij dit jaar te maken kreeg met verschillende auteurs die nogal moeilijk te verteren waren en niet bepaald in onze cultuur pasten. En ik weet niet hoe vaak ik nog moet zeggen dat het tijd is om verder te gaan, en of deze boodschap zal worden gehoord, of dat het festival op dezelfde plaats zal blijven en geleidelijk de belangstelling van het publiek zal verliezen.

Ai Weiwei. Restaurant Lower East Side. 1988

© Ai Weiwei. Courtesy Three Shadows Photography Art Centre

William Klein Vier vrouwen, supermarkt, 1955 © William Klein

Vladimir Misjoekov Op de set van Andrei Zvyagintsev’s film Jelena

Doug Menyes Onverschrokken Genie: De digitale revolutie in Silicon Valley 1985-2000.

Steve Jobs spreekt over de tienjarige cyclus van technologieontwikkeling. Sonoma, Californië, 1986

Onbekende auteur Vrouwelijke politieagenten oefenen het schieten op een schietbaan. 1968

© Politie van Los Angeles Courtesy fototeka Los Angeles

Ingmar Bergman op de set van Fanny en Alexander

Fotograaf Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet

Liu Bolin Urban Camouflage Series – 36, 2007

“Verzamel je gedachten om je kennis te verbeteren” © Met dank aan Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Liu Bolin Urban Camouflage Series – 16, 2006

Burger en politieman #2 © Met dank aan Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Harry Gruyere Nederland. Amsterdam. District Winzavod. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM FOTO’S

Vladislav Mikosha Amsterdam. 1960-e

Stephen Shore Ginger Shore,

Causeway Inn, Tampa, Florida, 17 november 1977