Compositie is de dragende omlijsting van de foto

Een lawineachtige populariteit van de fotografie en een intensieve circulatie van fotografische informatie voor onze ogen zet zich om in kwaliteitsveranderingen van foto’s, zoals klassiekers van de halfvergeten doctrine waarschuwden. Hoe sceptici ook mopperen, het niveau van fotowedstrijden en goederen op websites is tegenwoordig onvergelijkbaar hoger dan tien jaar geleden. En als gevolg daarvan verslechteren de waarheden waarop het onderwijs in de fotografie was gebaseerd snel…

Natuurlijkheid is zo’n moeilijke houding.

Oscar Wilde, “De perfecte echtgenoot

Op het eerste gezicht lijkt deze opname in strijd met de belangrijkste compositietip uit elk “dummies”-boek: de horizonlijn verdeelt de opname in tweeën. Eigenlijk is een oproep om symmetrie te vermijden een wens om het kader dynamischer te maken, omdat de afbakening in het midden het kader in de meeste gevallen statisch maakt. Maar hier wordt het statische overwonnen door het contrast tussen de rustige onderste helft en de cumulerende bergen daarboven, en bovendien door de uitbundige kleur ik moest de witbalans bijstellen: die stond op auto, en het camerabrein kon kennelijk niet bevatten dat zulke kleuren in de natuur te vinden waren. Fotograferen in RAW helpt, omdat het aanpassen van kleuren daar veel gemakkelijker is .

De constructie van het kader, waarvan de indeling in de lengte door een lijn in het midden wordt aangevuld met een vierkant in de hoek die wordt aangegeven door de oranje berg links vertegenwoordigt de eenvoudigste markering van een spiraal, een zeer significante compositorische figuur.

Je hoeft trouwens niet te vechten tegen vignettering van een lens in groothoekstand: die dient vaak perfect als kaderelement.

Canon 5D, Canon EF 24-105 mm f/4L IS USM, 1/200 c, f/5.6, ISO 400, brandpuntsafstand 24 mm.

Samenstelling als organisme

Vooruitgang

De duidelijkste manier om dit te doen is de essentie van compositie te begrijpen, waarover meer dan eens is gesproken, en altijd zal worden gesproken, omdat het het dragende kader van de fotografie is. Niemand hoeft uit te leggen dat compositieregels conventioneel en overbodig zijn en dat het onthouden ervan geen garantie is voor creatieve groei, hoewel het helpt fouten te begrijpen en, als men het probeert, ze te vermijden.

Compositie wordt nu eindelijk adequaat begrepen als een enigszins voorspelbare combinatie van vele, voor de hand liggende en tijdelijke factoren, hetgeen een kortere weg is naar een nieuw begrip van het begrip zelf van compositie, dat glibberig en veelzijdig is. Droge academische definities zijn weliswaar goed voor leerboeken, maar van weinig nut voor een fotograaf in de dagelijkse praktijk, en meer figuratieve beschrijvingen zullen niet door iedereen worden begrepen, alleen door hen die door lang en hard werken met hoofd en oog dichter bij hun eigen begrip van compositie zijn gekomen en op zoek zijn naar hun eigen persoonlijke formules. Laten we, geleid door zo’n medehobbyist, proberen een bijdrage te leveren aan de gemeenschappelijke zaak.

Wat moet ik zeggen?

Het is interessant dat hoe meer ervaren een fotograaf kunstenaar of ontwerper in de regel is, hoe minder hij discussieert over de compositie in het algemeen en de algemene beginselen ervan. Voor een bepaalde opname zal hij graag de successen en mislukkingen ervan ontleden, vertellen over zijn huidige of vroegere compositorische neigingen, maar in het algemeen, ongeacht wat je zegt? De compositie is of geslaagd, of helemaal niet, of zo-zo, niets bijzonders. Maar zodra je in algemene termen gaat redeneren, besef je in hoeverre de woorden “een eenmaal uitgesproken idee is een leugen” waar zijn: elke schijnbaar voor de hand liggende stelling wordt onmiddellijk door de praktijk weerlegd, wat aanleiding geeft tot talrijke gevallen van succesvolle schending ervan. Dit is niet verrassend: compositie is een non-verbale taal, in tegenstelling tot het vertellen van verhalen, en deze fenomenen leven volgens verschillende wetten.

Het enige wat ik eventueel zou kunnen zeggen is dat alle discussies over compositie, net als de analyse ervan, post facto reflectieve oefeningen zijn, zelfs als ze betrekking hebben op mogelijke varianten van een stilstaand beeld dat je nog niet hebt gemaakt. Dat wil zeggen, met onbekende middelen het zou interessant zijn te weten welke ! wordt gevormd in de hersenen, en alleen het eindresultaat staat ter discussie.

Samenstelling als fysiologie

Op mijn vraag over de compositie zei een kunstenaar, een leraar schilderkunst, dat het theoretisch geen zin heeft erover te theoretiseren, maar vergelijk het liever met de pose die een man onbewust of bewust aanneemt. Welke regels zijn er?? Natuurlijk kan men, als men echt wil, wetten en aanbevelingen afleiden bijvoorbeeld: als je je dakloos voelt, krimp je in een bal, als je agressie voelt, sla je jezelf in elkaar , maar is het mogelijk om dat met je volle verstand te doen?? Of probeer een karatetrap in woorden te beschrijven: het is mogelijk, maar zinloos.

Het is veel redelijker om te proberen je fotografische lichaam zo te trainen dat het zichzelf mooi vormt er zijn hele beroepen op gebaseerd . En vanuit praktisch oogpunt is het veel handiger om op deze manier over compositie te praten: het is de fotografische praktijk die van iemand een fotograaf maakt, niet het proppen van theorie. Evenzo heeft een atleet meer aan een coach dan aan een film over de structuur van spieren hoewel het ook geen kwaad kan , maar training is nog noodzakelijker. Als je lange tijd niet schiet, raak je geoefend, en dat zie je terug in je opnamen, zelfs als je een heel boek over theorie leest.

De parallel is ook handig omdat de aanvaarding van de lichaamshouding, net als de opbouw van een compositie, grotendeels wordt gedicteerd door het onderbewuste en persoonlijke daarover staat niets in fotografieboeken .

Opleiding

Onder de methoden voor praktische training van compositorische vaardigheden zijn er twee bekend en beide uit de cinematografie, waar het verband tussen tijd, professionaliteit en geld het sterkst is , en beide kunnen van harte worden aanbevolen aan alle fotografen. De eerste is de klassieke techniek waarbij je een klein zwart kader meeneemt en alles wat je tegenkomt willekeurig bijsnijdt. De tweede is het ordenen van compositorisch interessante figuren uit een gegeven aantal lucifers binnen een rechthoekig grijs karton dat als kader dient ooit was dit een routineopdracht in een cursus filmregie . Interessant is dat deze basisoefeningen de compositietraining vanuit verschillende invalshoeken benaderen en de leerling militair vastgrijpen in tikken: lucifers ontwikkelen subjectief begrip van harmonie, het “innerlijke oog”, het kader het “uiterlijke”. De vereniging van deze twee ogen vormt de fotograaf’s.

Rol van de zoeker

Enkele praktische implicaties hiervan zijn interessant. Merk op dat beide basisoefeningen gebaseerd zijn op een actieve interactie met het kader, niet in de zin van een omtrek, maar in de zin van een levend veld waarop het compositorische leven zich afspeelt. In een camera is dit de zoeker en je moet ermee omgaan en het dicteert bepaalde voorwaarden. De plaag van moderne DSLR’s is met name de piepkleine zoeker die door Europese fotografen als een “tunnel” wordt gezien de situatie is de laatste tijd enigszins verbeterd, deels door een geavanceerder ontwerp van het oculair en deels door Live View . Het is heel moeilijk voor te stellen dat een fotograaf met gemiddelde ogen in zo’n zoeker een kader kan samenstellen met een barokke overvloed aan fijne details en fijne textuur, althans doelgericht. Dit leidt tot “big-block” compositie gebaseerd op het samenspel van grote details in het kader. Zoals Gogol schreef over het gezicht van Sobakevitsj: Er zijn veel gezichten waarover de natuur niet al te lang wijs werd – ze zwaaide een of twee keer met een bijl, groef ogen met een ruwe boor en liet ze gaan in het licht na te hebben gezegd: levens!

Tegelijkertijd is het moeilijk voorstelbaar dat een normale fotograaf die een beeld samenstelt door bijvoorbeeld een middenformaat zoeker, de verleiding zou kunnen weerstaan om de sappige details in de belangrijke delen van het beeld te benadrukken, waardoor het beeld meer schaal- en compositiediversiteit krijgt. Het gebeurt niet noodzakelijkerwijs allemaal bewust – toch is het hoe de apparatuur het uiteindelijke beeld beïnvloedt. Daarom leggen serieuze DSLR’s in hun specificaties zoveel nadruk op de zoeker.

In dit verband moet de uitrusting van moderne DSLR’s met de Live View-modus worden toegejuicht. Het is misschien geen panacee of ideaal, en naar mijn smaak zou je een klein afneembaar oculair kunnen bedenken voor een zoomscherm zoals op een klassieke mijn, maar in elk geval heb je een keuze en meer opties.

De rol van de afdruk

Interessant is ook hoe de schaal van de foto die grotendeels door de fotograaf wordt bepaald op het moment dat hij de foto neemt wordt gerealiseerd in de uiteindelijke afdruk. Gennady Grikov had zo’n ervaring toen hij zijn studenten les gaf: hij gaf ze een kleine prent en vroeg wat ze erop zagen. Antwoord: “Stupid glade.”. En als u dezelfde opname ziet, maar afgedrukt op groter formaat, ziet u vlinders in de open plek, die de belangrijkste waren die de opname “maakten”. Je kunt een grote afdruk “binnenlopen”, het is op menselijke maat… Maar zelfs dat is niet altijd nodig – er zijn veel grootmeesters in de fotografie vooral degenen met een filosofische kijk op de wereld die hun werk bijna nooit op formaten groter dan ongeveer 20×25 cm, of zelfs kleiner, afdrukken. Het formaat van de afdruk dicteert een bepaalde afstand tussen de foto en de kijker, waardoor de wereld tot één beeld wordt gecomprimeerd.

Zoomtools

Maar naast bewuste afdrukken zijn er ook puur compositorische middelen om de schaal in een opname te bepalen, voornamelijk via de relatie object – achtergrond. In zijn eenvoudigste vorm lijkt het op een verhouding tussen de grootte van het object en het kader als geheel of het object en grote passieve delen van het kader die de achtergrond vormen. Zonder in te gaan op details als tonale en kleuractiviteit van het onderwerp, is deze verhouding vrij eenvoudig, op het niveau van een rekensom; gelukkig zijn er veel factoren in de fotografie, dus we worden niet bedreigd door wijdverspreide eenvoud.

Tijd

Een weinig vermeld, maar buitengewoon krachtig aspect van compositie is de manier waarop het de tijdstroom in het kader bepaalt. Tijd is een bijzonder, fotografisch ding, alle temporele gebeurtenissen – voor, tijdens en na het vastgelegde moment – worden gelijktijdig, impliciet en expliciet in het kader gepropt, en kunnen worden gelezen sequentieel, zoals in de film in elke gewenste volgorde, met elk gewenst aantal herhalingen. In dit proces spelen compositiemiddelen de belangrijkste rol.

De zaak is dat wij, na een algemene blik op een foto te hebben geworpen en daarin geïnteresseerd te zijn, deze meestal in delen gaan bestuderen, bij een fragment blijven hangen, weer op een fragment terugkomen en van het ene naar het andere verschuiven. Het complexe traject van onze blik onderwerp van veel onderzoek stuurt de beweging van deze bevroren tijd – nu achterwaarts, nu voorwaarts, nu in een cirkel. Zo’n eenvoudig moment als de noodzaak om een kleine lege ruimte in het kader te laten voor het gezicht van een persoon die naar voren kijkt, is al een miniatuurhefboom die de tijd in het kader in een bepaalde richting stuurt. De studie van de fotografische tijd is echter op het randje van pure fictie, die een andere amateur, die een snel resultaat wil, dreigt af te schrikken. Laten we proberen compositie te zien als een harmonieuze, comfortabele of expressieve, op het niveau van de menselijke pose, opstelling van delen van het kader – het lijkt een perspectiefbenadering te zijn.

Goed schieten!

Een goed voorbeeld van hoe krachtig een groothoeklens kan zijn als compositiehulpmiddel. Hier zuigt de ultrabrede zoom gefotografeerd op 14 mm beeldvullend de ruimte letterlijk op, waardoor deze als een trechter naar buiten treedt. Het contrast tussen de zware aarde gevuld met allerlei natuurlijke details en de loodzware lucht doet denken aan het Oekraïense lied “Ik kijk naar de hemel…”, ook al is de held van het kader een chassidische pelgrim het lijkt erop dat archetypen voor iedereen gelden . Een kleine, gebogen figuur tegen de immense uitgestrektheid van het landschap is een perfecte illustratie van de notie van schaal in het kader.

Er is een belangrijk praktisch detail: als uw kader details van verschillende close-ups bevat dichtbij, veraf , probeer dan zo’n opnamepunt zo te kiezen dat ze elkaar enigszins overlappen, zoals hier het hoofd van een pelgrim gaat voor een donkere reflectie van hout in water. De opnamen zijn zo duidelijker, en ook gewoon mooier.

Foto: Dmitriy Serebryakov.

Nikon D3, Nikon 14-24mm f/2.8G ED AF-S Nikkor, 1/640 c, f/4, ISO 400, belichtingscompensatie -2/3 EV, scherpstelafstand 14mm.

Het gebeurt vaak dat er in één opname twee of drie plotcentra zijn, verenigd door ingewikkelde denkbeeldige plot en eenvoudige geometrische verbindingen. In mijn ogen zijn er drie van dergelijke centra: beslist het kruis op de achtergrond, dat het kader domineert, de stapel gestapelde stenen eronder niet in het echt, maar volgens de “legende” van het onderwerp , die van onderaf naar het kruis opkijkt, en het minst formele centrum – de complexe lucht die op dit alles neerkijkt met een ontwikkelde verbeelding zou je kunnen zeggen dat wervelende wolken een soort oog vormen . Samen vormen ze een ingewikkelde structuur die lijkt op een barbell of een zandloper.

De oorspronkelijke kleurenopname werd omgezet in zwart-wit, gewoon omdat de verscheidenheid aan kleuren de grafische structuur van de juxtapositie vertroebelde, en de egale grijze kleur verzamelde het hele kader in één canvas, waardoor er geen onderscheid werd gemaakt tussen de gele aarde en de blauwe lucht.

Om de juiste hoeveelheid contrast te krijgen, heb ik het frame in “Photoshop” omgezet naar monochroom met behulp van de Channel Mixer Red Filter preset , en vervolgens heb ik de ondergrens van de tonen in “Levels” aangepast tot ongeveer 10.

Canon 5D, Canon EF 24-105mm f/4L IS USM, 1/160s, f/14, ISO 100, belichtingscompensatie -1/3 EV, brandpuntsafstand 35mm.

De compositieformule van deze opname is een combinatie van diagonaal pad + kat en parallelle verticalen dakgoten, ramen . Het donkere stuk groen moest naar de rand van het kader worden verbannen om het een ondergeschikte rol te laten spelen en het gesprek van de hoofdelementen niet te verstoren.

Trouwens, “Photoshop” kan spelenderwijs veel filmproblemen aan deze scan . Bijzonder interessant is het gebruik van het “Blunt Mask” filter met een instelling van ongeveer 14-20 radius en 55 Gain, dat het lokale contrast versterkt en meer diepte in het beeld brengt.

Pentax 67, 90/2.8 lens.

Twee vrij onafhankelijke onderwerpen kunnen vreedzaam naast elkaar bestaan in deze opname, hoewel geen van beide afzonderlijk zou volstaan om een volledige foto te maken: een paar bevroren boten bij een lege Venetiaanse muur en, op de achtergrond, een jonge dame die krachtig over de brug stampt. Hun confrontatie is wat de opname zo levendig maakt. Echter, hier is er een andere universele toverstok – de spiegelachtige gladheid van het water. Reflecties van een waterspiegel kunnen bijna elke scène verlevendigen en betekenis geven, alleen al door de nabijheid van een waarneembaar origineel en een wankele kopie. Ik moet er ook aan toevoegen dat steen en water uitstekende modellen zijn.

Pentax 67, 90/2.8 lens.

Heel vaak “werkt” een opname wanneer de elementen ervan op de een of andere manier vanzelf en soms spontaan tot interessante figuren worden gevormd. In dit geval vormen de contouren van de jurken van de twee mimedames een herkenbare halve cirkel die in ongeveer dezelfde verhouding in de rechthoek van het kader past als de fontein in Monaco. De richting van haar handen en waaiers, evenals de helling van de figuur die de diagonale lijnen weergeeft, geven het kader extra expressie, en het onopvallende feit dat de meisjes op stelten staan en boven de grond lijken te zweven, voegt een beetje fantasmagorische kwaliteit aan het beeld toe.

Het vastleggen van de zwarte lucht in de achtergrond is gemakkelijk en uitdagend: het ziet er geweldig uit als een vlakke achtergrond zonder afleiding, het enige probleem is om te voorkomen dat het te veel ruimte inneemt in het kader hier op de rand en om interessante vormen te maken die worden omlijnd door de hoofdonderwerpen en het kader. In dit opzicht zullen textuur noch achtergrondkleur het redden – het is de algemene omtrek die telt.

Canon 5D, Canon EF 24-105 mm f/4L IS USM, 1/40 c, f/4.5, ISO 3200, brandpuntsafstand 24 mm.

Dit is een scan uit een smal kader, en compositorisch is hij opmerkelijk, behalve dat hij de kracht en de dynamiek toont van de licht hellende verticaal, die echter nog ver verwijderd is van de diagonaal. Ook de rol van de hoek is interessant: als je van bovenaf fotografeert, imiteer je het opheffen van je hoofd en daarmee het hele scala aan gevoelens van staren naar iets groots en hoogs ook al is de etalagepop vrij standaard . Deze verkorting wordt aanbevolen om het beeld een monumentaal gevoel te geven.

Canon EOS 5, Tokina 28-70mm f/2.8 AT-X 287 PRO SV AF.

Een deel van de constructie van een voetgangersbrug in Londen werkt goed als frame. Compositorisch wordt het kader overeind gehouden door de nauwelijks zichtbare horizontale parallellen en, minder opvallend, door het feit dat de twee donkere figuren – het compositorisch centrum van het kader – de donkere achtergrond achter hen in bijna dezelfde verhouding delen, naar links, als de hele grote opening, naar rechts.

Canon EOS 5, Sigma AF 70-200 mm f/2.8 EX HSM.

Een ongewoon object, vooral een eenvoudige geometrische vorm die vaak sprekender is dan een complexe , kan zelf de basis van een compositie worden. Om een geometrische figuur in de rechthoek van het kader te passen, moet men goed letten op de verhouding tussen hun afmetingen. Zooms besparen in dit opzicht veel spierkracht. Trouwens, de foto is absoluut realistisch, geen wonderen van retoucheren: het is een spiegelachtige bolvormige fontein op het plein voor het casino in Monaco die alles eromheen reflecteert. Ik moest de telezoom bijna in de uiterste stand zetten om het kader te vullen een hek stond in de weg om dichterbij te komen . Je zou kunnen zeggen dat we kijken naar een gesuperponeerde reflectie op het origineel, maar wat voor mij echt werkt is de magie van het combineren van eenvoudige geometrische vormen: een cirkel, een halve maan de reflectie van de hemel en een rechthoek.

Canon 5D, Canon EF 70-200mm f/4L USM, 1/400s, f/9, ISO 125, belichtingscompensatie -1/3 EV, 175mm brandpuntsafstand.

Een voorbeeld van een compositie met voornamelijk grote en middelgrote elementen. De vlakke monochrome achtergrond en het ingetogen kleurenpalet zijn hier erg belangrijk, wat het conventionele, abstracte karakter van het beeld benadrukt, dat niettemin volkomen realistisch is: deze opname werd gemaakt tijdens de ontmanteling van een antieke showroom in het Centraal Kunstenaarshuis. De tafels en stoelen zijn weg, de schilderijen zijn weggehaald en het schilderij is nog steeds verlicht, wat filosofische associaties oproept.

Pentax *istD, Sigma 18-50 mm f/3,5-5,6, 1/8 c, f/3,5, ISO 1600, belichtingscompensatie -2/3 EV, brandpuntsafstand Eq. 28mm.

Twee min of meer “parallelle” bogen die het kader diagonaal kruisen – een trefzekere manier om je opname snel te ordenen. Geschikt voor gevallen waarin een opname uitsluitend voor decoratieve doeleinden wordt gemaakt spelen met kleur en/of textuur . In dit geval worden de bogen met succes aangevuld met elementen van contrasterende kleuren langs loodrechte diagonalen. Deze opname maakt gebruik van de enorme scherptediepte van compactcamera’s. Het beeld zou er nauwelijks op vooruit zijn gegaan als sommige details onscherp waren.

Fujifilm FinePix F30, 1/160 sec, f/4, ISO 200, belichtingscompensatie -1/3 EV.