Boris Smelov – fotograaf met een onberispelijke reputatie

Het werk van de legendarische St. Petersburgse fotograaf Boris Smelov trekt de belangstelling van kunsthistorici, critici, theoretici, historici en liefhebbers van fotografie. In 2009 organiseerde het State Hermitage Museum de grootste tentoonstelling van zijn foto’s. Niemand blijft onverschillig bij elke vermelding van de Petit-Boris. Waarom? Wij hebben geprobeerd deze vraag te beantwoorden door verschillende standpunten, herinneringen en aloude citaten van Boris Smelov zelf aan te halen.

Zelfportret. 1997

Fotograaf Boris Smelov werd tijdens zijn leven een legende van de St. Petersburgse fotografie.

– Je wilt zon en maan en vloed en sneeuw allemaal in hetzelfde kader..??? Maar het is het einde van de wereld?

– Ja.

Uit een dialoog tussen Boris Smelov en Masha Snigirevskaya

Nikolajevski brug. 1995

Arkady Ippolitov

Senior onderzoeker in de afdeling West-Europa

van de schone kunsten van de State Hermitage,

Boris Smelov, auteur van het concept en curator van de tentoonstelling. Retrospectief

State Hermitage Museum, 20 maart – 28 juni 2009

Fotograaf Boris Smelov 1951-1998 werd tijdens zijn leven een legende in de fotografie van St. Petersburg, een levende klassieker, bewonderd door iedereen die op enigerlei wijze verbonden was met de fotografie.

Elke min of meer prominente St. Petersburg fotograaf is vandaag de dag niet ontsnapt aan zijn invloed. Het beeld van Sint-Petersburg dat hij creëerde is niet alleen van hoge kwaliteit, maar zeker ook het meest expressieve statement dat aan het eind van de vorige eeuw over deze stad werd gemaakt, een statement dat even belangrijk is als Brodsky’s poëzie.

Zijn werk is het meest waardevolle en levendige fenomeen van de St. Petersburgse cultuur van de jaren 70-90., verbonden met St. Petersburg, gewijd aan St. Petersburg en bepaald door St. Petersburg, maar tegelijkertijd een internationaal niveau bereikt, omdat zijn werken vergelijkbaar zijn met de hoogste voorbeelden van de wereldfotografie.

Hoboklank. 1972

David Galloway. De Stad der Schaduwen. De Stad der Tranen

Prof. David Galloway

hedendaagse kunsthistoricus,

kunstcriticus ARTnews, International Herald Tribune ,

redacteur van Art in America,

curator internationale tentoonstellingen,

Auteur en uitgever van talrijke kunstboeken

Het is interessant voor te stellen hoe Boris Smelov zou hebben gereageerd op de digitale revolutie in de fotografie, die in 1998, toen hij stierf, net haar vleugels over de wereld begon uit te slaan. Enerzijds was de fotograaf altijd geïnteresseerd in nieuwe fotografische technieken, en betreurde hij vaak de moeilijkheden om de nieuwste apparatuur en materialen aan te schaffen in de Sovjet-Unie, waar alleen journalistieke en amateurfotografie officieel werd erkend. Toch had Smelov eersteklas camera’s, en drukte hij altijd af op hoogwaardig fotopapier. Het was hem duidelijk dat de ontwikkeling van de techniek natuurlijk een kwalitatieve verandering met zich meebracht. In een in 1988 gepubliceerd interview zei Smelov dat de komst van automatische camera’s en nieuwe technologie voor het ontwikkelen en afdrukken van foto’s “het bereik van de creativiteit heeft vergroot, de stijl van de fotografen en zelfs hun visie heeft verrijkt”. Maar hij was niet enthousiast over enige vernieuwing: “De mogelijkheid om een kwaliteitsvolle ‘kaart’ te maken zonder intelligentie of cultuur draagt het gevaar in zich dat de fotografie verstomt.”. Het is niet verwonderlijk dat hij vooruitliep op het fenomeen dat velen later zagen als de keerzijde van de digitale esthetiek die de kunstmarkt aan het eind van de vorige eeuw overspoelde: zonder een autoritaire kijk op de wereld, zonder de menselijke positie van de kunstenaar, zijn de resultaten “leeg en koud”.

Het sleutelwoord in Smelovs gedachten over fotografie is altijd “cultuur”. Op de vraag wat voor opleiding een fotograaf idealiter zou hebben, antwoordde hij dat het voor hem nuttiger zou zijn een opleiding in de vrije kunsten te hebben, evenals een filosofische, psychologische of kunsthistorische opleiding. Hoewel volgens velen “beelden meer zeggen dan woorden”, is het vermeldenswaard dat Smelov onder de voor de toekomstige fotograaf belangrijke onderwerpen ook vreemde talen in zijn curriculum opnam.

Zijn foto’s waren het bewijs van een toegewijde meester, die hield van de filosofie van Dostojevski, de schilderijen van Van Gogh en de muziek van Mozart, maar ook de theoretische werken van Siegfried Krakauer en Roland Barthes las en gul was met lof wanneer hij het werk van zijn collega’s beoordeelde. Zijn favoriete fotografen waren Henri Cartier-Bresson en Josef Sudek, die hem de basisles leerden: “Elk object in de materiële wereld heeft een eigen ziel.

In het begin van zijn carrière als fotograaf maakte Smelov portretten van underground schrijvers en kunstenaars, waaronder hijzelf, en werkte hij soms – met groot succes – in het genre van het stilleven. Zijn Stilleven met granaatappel 1988 en Stilleven met een scheve spiegel 1991 zijn ware meesterwerken van het genre. Ze laten zien hoe goed Smelov de Renaissance schilderkunst kende.

Maar in wezen was hij een fotograaf en chroniqueur van de stad, en niet zomaar een stad, maar Leningrad Sint-Petersburg, waar hij geboren en gestorven is. Zo zette hij de grote traditie van de stadsfotografie voort die in de 19e eeuw ontstond met de opkomst van deze kunstvorm. Het was een tijd van snelle verstedelijking en industrialisatie. Het contrast tussen rijkdom en armoede, tussen zonnige boulevards en donkere steegjes, tussen luxueuze openbare gebouwen en krakkemikkige huurhuizen, vormde een onuitputtelijke bron van inspiratie voor zijn foto’s.

Smelovs werk “Tuchkov Pereulok” 1995 laat zien dat dit contrast zelfs vele decennia later nog sterk bleef. Op deze foto, die gekenmerkt wordt door een strikte geometrische compositie, zien we een oudere vrouw die op een stok leunt en voorzichtig langs een smalle strook licht stapt, die parallel loopt aan de gezichtsloze muur van een rechthoekig gebouw. Haar pad kruist een schaduwrijk steegje, in de diepte waarvan enkele bomen zichtbaar zijn: misschien is het een park, een van de favoriete motieven van de fotograaf. De schaduwen op de voorgrond zijn duidelijk afkomstig van een boom die niet zichtbaar is in het kader. De taal van contrasten is eenvoudig, maar rijk en expressief: licht en donker, architectuur en natuur, de mens en het anonieme stadslandschap. In andere werken, waaronder sombere schetsen als “Man met emmer” 1974 en “De muur” 1975 , is er geen natuur, alleen sombere labyrinten waarin ongeziene bewoners ineengedoken zitten. Men mag niet vergeten dat deze werken behoren tot een bijzonder belangrijke en bewogen periode in Smelovs creatieve biografie, toen hij zijn eerste publieke erkenning kreeg, maar tegelijkertijd werd hij achtervolgd door de autoriteiten, die in 1975 zijn tentoonstelling in het Paleis van Cultuur “Vyborgsky” sloten en de daar tentoongestelde werken in beslag namen.

In Smelovs stadsgezichten is de menselijke figuur relatief zelden te zien, en de mensen die er wel te zien zijn, zoals in “Two Figures in a Yard” 1971 , zijn in feite naamloze figuranten, die de kunstenaar duidelijk aantrekt vanwege het interessante spel van licht en schaduw, en niet als individu. “Silver Boy” 1995 is een opvallende uitzondering op de regel: in deze compositie vormt de menselijke figuur het ware middelpunt. In de meeste gevallen zijn de figuren op Smelovs foto’s echter geen mensen, maar stenen beelden op een begraafplaats of beelden die een fontein of een brug sieren, zoals de centaur die zo elegant balanceert in Pavlovsk, Centaur’s Bridge I 1975 en Pavlovsk, Centaur’s Bridge II 1994 . Het is interessant op te merken dat het latere werk de natuurlijke omgeving benadrukt, terwijl het beeld zelf bijna volledig in de schaduw opgaat.

Smelov heeft ook architectuurstudies die grenzen aan geometrische abstractie. Licht dat diagonaal door ramen valt, bogen die de grens tussen licht en duisternis doorkruisen, wenteltrappen en balustrades – dat waren de motieven die de kunstenaar door hun vorm het duidelijkst aantrokken. Maar Smelov, die geïnteresseerd was in hedendaagse filosofie, zag er misschien existentiële connotaties in. Deze stadsgezichten in Sint-Petersburg ademen een sfeer van mysterie en droefheid – deels omdat Smelov zelden in fel zonlicht fotografeerde. Soms zien we het zwakke avondlicht in de foto’s, maar wat de kunstenaar het mooist vindt is het vroege ochtendlicht, wanneer de zonnestralen net de mist over een begraafplaats, een brug of een speelplaats beginnen te verdrijven. De schaduwen in de ochtenduren waren lang en diep, zodat de geaccentueerde details bijzonder sterk naar voren kwamen. Als we de foto’s van Smelov bekijken, zien we Leningrad/Petersburg niet als de lichtstad die architecten onder Peter de Grote voor ogen hadden… Ondanks al haar pracht is de stad een wereld van schaduwen en – vaak – een wereld van tranen. In een artikel getiteld “After Raskolnikov: Russian Photography Today,” heeft de criticus John P. Jacob noemde Smelov “een meester van de school van het spiritualistisch estheticisme”. De serie “In Memory of Dostoevsky” zou inderdaad kunnen dienen als een soort verhaal over het werk van deze kunstenaar, die verbazingwekkend begaafd is en zich onderscheidt in de kunst van de fotografie.

De Senoy-brug. 1993

Boris Smelov. Uit interviews door de jaren heen

Er is een mysterie nodig

Sovjet foto. 1988. № 10.

– Wat bedoel je met successen en mislukkingen??

– Mijn grootste mislukkingen zijn altijd de technische aspecten van de fotografie geweest, het ambacht, wanneer ik door ongeduld en gedoe de beste opnamen tijdens het fotograferen of in het laboratorium onherroepelijk ben kwijtgeraakt. Geluk is het samenvallen van creatieve bedoelingen, een “voorgevoel van een schot” en het eindresultaat. In het algemeen beschouw ik mezelf als een vertegenwoordiger van emotionele en intuïtieve fotografie, en bij het fotograferen vertrouw ik meer op mijn gevoel dan op mijn voorlopige ideeën. Maar tegelijkertijd, zie het niet als mystificerend, ik droomde over veel foto’s en dan, jaren later, zag ik ze plotseling met mijn eigen ogen… Ik heb het geluk dat ik op zulke momenten de camera en de film bij me heb.

– Wat kan en moet er volgens u worden gedaan om “onpersoonlijke” fotografie te voorkomen??

– We missen vandaag de dag een serieuze theorie over fotografie… Er is bijna geen sprake van een instroom van jonge, frisse energie.

De kwestie van onderwijs voor fotografen lijkt mij uiterst belangrijk. Zelf ben ik me steeds meer bewust van het gebrek aan onderwijs in mijn eigen tijd. Het is interessant dat de meeste hedendaagse fotografen een technische achtergrond hebben, terwijl het nuttiger zou zijn een achtergrond in de vrije kunsten te hebben, of het nu gaat om filosofie, psychologie of kunstgeschiedenis, of zelfs kennis van vreemde talen. Iemand moet immers de kunstgeschiedenis beheersen om nieuwe geschiedenis te maken. Een kunstenaar moet het verleden misschien nog beter kennen dan het heden, dat hij of zij op een intuïtief niveau kan waarnemen. De cultuur van een auteur komt altijd op de een of andere manier tot uiting in zijn werken. En ik denk dat zonder mijn liefde voor de filosofie van Dostojevski, de schilderijen van Van Gogh en de muziek van Mozart, niet alleen ikzelf maar ook mijn werken armer zouden zijn geweest.

– En een laatste vraag. Is er een kwaliteit die een succesvolle foto noodzakelijkerwijs bezit??

– Die is er. Er moet een mysterie in zitten. Anders zouden de vele betekenissen ervan verloren gaan.

Het beeld van de stad

Subjectief. 1995. № 1.

De stad domineert mijn fotografie, hoewel ik me de laatste tijd meer en meer richt op de mensen in de stad om haar tot leven te brengen en alleen daarom . Ik fotografeer in infrarood op speciale film. Ik fotografeerde met hooggevoelige emulsies en rode filters om een soort dramatische, gecondenseerde, geconcentreerde uitstraling van St. Infrarood film fascineerde me omdat het een bepaalde nieuwe kwaliteit en een heel ander grafisch effect geeft. Het lastige van fotograferen is dat je de belichtingsmeting niet goed kunt krijgen… Deze film heeft geen zin in automatische camera’s, waar de gevoeligheid wordt ingevoerd. Dat is het mooie van ermee werken: je voegt een andere parameter toe en soms weet je niet wat er gaat gebeuren, ondanks jarenlange ervaring. Hoe verder men leeft, hoe minder men het effect van licht op emulsie begrijpt. Wij zijn gewend geen rekening te houden met warmtestraling, maar hier beïnvloedt de temperatuur van de voorwerpen de totale blootstelling, maar er is absoluut geen manier om dat effect te meten. Natuurlijk moet ik duplicaten maken, hoewel het jammer is om duur materiaal te vertalen. Een andere bijzonderheid: het goed scherpstellen op dit soort film is anders dan bij gewone film. De lucht wordt heel donker, het groen wordt heel helder, het ziet er vreemd uit. En daarom heb je een eigenaardige benadering van compositie nodig die rekening houdt met al die eigenaardigheden.

Opnames op infrarood film helpen me om een zeker kosmopolitisme van de stad, haar objecten, haar epicisme, haar betekenis, haar tragedie te benadrukken. En foto’s genomen op gewone film bij mistig weer, gezien de beperking of het ontbreken van achtergronden, hebben hoofdzakelijk betrekking op de voorgrond, en die delicate parelmoergrijsheid benadrukt een soort gelokaliseerde lyriek. Maar ik moet zeggen, in beide gevallen overheerst een romantische benadering in mijn fotografie.

Mijn huis

Uit een interview in 1993. aan de uitgever van Winter Petersburg 1997 .

– Hoe lang filmt u al in het algemeen en in de winter??

– Waarschijnlijk sinds ik mijn handen en voeten bevroor toen ik dertien was.

– Welke specifieke kenmerken van winterfotografie kun je noemen??

– Vorst, wanneer de temperatuur drastisch daalt en de lens beslaat onder je jas of zelfs in je tas, dus zorg ervoor dat je de lens van je camera goed zijdelings kunt zien voordat je de foto maakt!

– Wat is er zo aantrekkelijk aan het vastleggen van de stad St. Petersburg, en winter stadsfotografie in het bijzonder??

– Ruwweg, de afwezigheid van modder. Subtieler gezegd, alles wat door alle Europese architecten wordt bedacht en overigens belichaamd. De winter is zeker als de Neva rivier in de overstroming, hij zuivert, maar op een andere manier.

– Welke momenten van uw winteropnames kunt u zich herinneren??

– Viel van een dak in de winter: wist als een kat door een zolderraam te “twitchen”, maar misschien tevergeefs..

– Wat een fotograaf tot zijn beschikking moet hebben als hij foto’s maakt in de winter?

– Ik denk dat Team Cousteau hier geraadpleegd moet worden. Het zou goed zijn om ze in de Neva te zetten, dat is het! Maar serieus, het belangrijkste zijn de schoenen. Valentines zijn oké, maar niet echt. Waarom? Perfect voor het platteland, maar laten we zeggen dat op een dak je krappe voet niet bijdraagt aan je beweeglijkheid.

– Of je nu inlijsttechnieken gebruikt of op toeval vertrouwt?

– Intuïtief geval – wanneer sneeuw, voorbijganger, brug, huis opgaan in onveranderlijkheid, d.w.z. het lot.

– Wie zijn uw belangrijkste invloeden onder de meesters van de fotografie??

– Een intieme vraag. In de zin dat de enscenering ervan voor de leek impliceert – op wie lijk jij meer?? Voor deze koop ik het, maar voor de andere wacht ik tot je dood bent…

Uit de catalogus van de tentoonstelling “Boris Smelov. Retrospectief” in het State Hermitage Museum

20 maart – 28 juni 2009.

Wij danken de Boris Smelov Stichting voor de teksten en foto’s.

Voor de Hermitage tentoonstelling, een album getiteld “Boris Smelov. Terugblik” Uitgeverij KERBER, 448 blz., in Russisch en Engels, 3500 exemplaren., Verkocht in alle kunstboekhandels in Europa en de VS .

Zure liefhebbers. 1975

Gevlekte lelies. 1987

Silver Boy. 1995

Puppy verkoper. 1972

De familie Florensky. 1981

Witte kat. 1993

Een blik naar beneden. 1975

Fontanka in de winter. 1987

Foto: Boris Smelov